Der Bandname erinnert zuerst an das erste Serienautomobil der Welt, die berühmte Tin Lizzy, die blecherne Elizabeth von Ford, ist aber aus einem Comic namens “Beano“, dessen weiblicher Roboter mit Namen Tin Lizzie wohl auch auf dem Fahrzeug beruht. Mit dem zusätzlichen H im Thin, welches der irische Akzent wie Tin ausspricht, gewinnt er einen zusätzlich erotischen Aspekt der Deutung und ist gleichzeitig frei von der Gefahr Marken- und Urheberrechte zu verletzen.

Schon lange vor Metallica hatte die Band mit "Whiskey in the Jar" 1973 und 1976 mit "The Boys are Back in Town" (auch auf diesem Album) große Hits. Die Wiederbegründung der Band 1999 bietet leider nicht mehr das Original-Line-Up. Angesichts des Todes der zentralen Figur Phil Lynott (bereits 1986), welcher seinem Drogenkonsum angelastet wird, ist das spezielle Flair einer ausnahmsweise nicht englischen und ausnahmsweise von einem höchst charismatischen, noch dazu schwarzen Bassisten irischer Herkunft mit erstklassiger Stimme geführten Band nun Rockgeschichte.

Rockgeschichte ist auch "Live & Dangerous". Fantastisch zu hören ohne Lows oder schwachen Nummern bietet es hervorragend gespielten Rock mit immer wieder schönen Gitarren-Unisono und Doppelsolos. Nennt es Hard-Rock oder 70ies-Rock, ist diese Musik nicht so progressiv wie andere Rockgruppen dieser Zeit, sondern bodenständig, klar, harmonisch und melodisch. Wie es sich damals gehörte, fehlt hier weder Schlagzeugsolo noch der Publikumspart. Phil spricht mit den Leuten und sie antworten ihm. Tanzen und Mitsingen. Einfluss irischer Folklore hat auch anderen Rock- und Popgrössen nie geschadet. Nutzlos wäre es einzelne Höhepunkte hervorzuheben oder bestimmten Songs wie "Rosalie" (Bob Seeger), "Jailbreak", "Emerald" oder "The Rocker" den Vorzug zu geben. Die können spielen. Da rumst der Fels. Dieses Album ist rundherum klasse .

Die Coverbilder vermitteln eine schönen und bunten Eindruck der wirklichen Livesituation bei Konzerten der 70er. Farbige Les Paul Gitarren über die Türme der Marshall Full Stacks
gespielt, lange Haare, große Bühne, glitzernde Jacken und eine noch von Hand gesteuerte Lightshow ohne Abstriche. Die Klangqualität ist die eines remastert Analog-Albums und bringt den Vinylklang von 1978 bestens rüber.

Es ist nicht leicht ein Album zu besprechen, welches trotz allgegenwärtigem Vergessen in kompetentem Kreis Kultstatus besitzt. Wenn man Thin Lizzy noch nicht kennt, einen guten Zusammenschnitt ihrer Arbeit möchte oder einfach auf Rockmusik steht, gibt es mit "Live & Dangerous" ein originelles, ja , originäres, authentisches und dabei voll massenkompatibles Dokument aufrechter Musik vollster Hingabe.

Bereits lange vor Veröffentlichung im lukrativen deutschen Markt war ANOUK in ihrer niederländischen Heimat bekannt und erfolgreich. Ich gehörte zu einer Art Testgruppe der BMG A&R Abteilung welche neue Acts Probe hören und beurteilen durfte, um den möglichen Markterfolg im Vorfeld bestimmen zu können und aussichtslose Kandidaten zu erkennen und dadurch Investitionsvorteile zu erlangen. Sehr froh war ich, das ich wohl nicht der einzige Testhörer war, welcher ANOUK befürwortete und das Album in Deutschland erschien. Tatsächlich schrieb ich den Entscheidungsträgern bei der BMG, dass es sich hier ausnahmsweise einmal um eine RICHTIG gute Musike handelt. Besonders im Vergleich zu dem laschen Mist , den sie uns sonst so übersanden. Man beachte: Es waren regelmäßig neutral weiße CompactCassetten (Ja in den Neunzigern versanden sogar die ganz großen Plattenfirmen noch CompactCassetten), ohne Bilder die keinerlei Rückschluss auf Herkunft, Name etc. des Acts zuließen. Es ging nur um die Musik. Man war also unbeeinflusst von der an sich schon höchst beglückenden Optik der nordischen Blondine .

Tatsächlich hörte ich die Aufnahmen schon damals ständig. So dermaßen fetzte die Dame. Glücklich über die Veröffentlichung der Scheibe besuchte ich natürlich auch das Münchner Konzert der zugehörigen Deutschland Tour (Damaliger Konzertartikel für ein Online-Magazin im Anschluss.) Leider wurde das Münchner Konzert der Tour zu Ihrer Folge CD "Urban Solitude" von der BMG abgesagt. Wir standen des Abends vor trögen Hinweisschildern. :-(

Seitdem ward sie in Deutschland nicht mehr gesehen. In ihrer Heimat und den Beneluxstaaten spielt sie mit Ihrer Band häufig und es gibt auch regelmäßig neue Platten. Neben Ihrer grandios kraftvollen Stimme und ihrer weiblichen Schönheit (gar nix Barbie-mäßiges, dafür Tattoes und Mähne, lebendige, selbstbestimmte Frau) gelingt es ungebändigte Wildheit auf die Konserve CD zu bannen. ANOUK ist eine Naturgewalt. Roh würde ich die Energie nennen, wäre sie nicht ganz eindeutig voll unter ihrer eigenen Kontrolle. Dadurch wirkt sie eigentlich nur noch machtvoller. Diese Frau singt, das es dich umbläst und weiß dabei genau, was sie tut und um ihre Wirkung. Und das ist alles auf der Platte drauf! Der Druck entsteht sogar bei Zimmerlautstärke und eine höhere wird empfohlen.

Es ist Rock: Sehr lauter, druckvoller Rock. Dicht und intensiv. Dabei stören die Instrumente nie die Stimme, die trotz der Lautstärke stets gut durch dringt. Das liegt an dieser Kraft. Und die ist es auch, die einem so leicht glauben macht, es muss dieses Mädchen sein, welches die Worte von "Nobody´s Wife" geschrieben hat eben , weil sie das so meint und wahrscheinlich selbst ist.

Die anderen Nummern stehen dem Einstiegssong gar nicht nach und die CD bietet auch nicht die drei üblichen guten Stücke und sonst nur restliches Beiwerk. Die Titelnummer "Together Alone" macht gleich weiter. Nach einem trügerische leisem Intro bricht es über einen herein. Der Text auch wieder ohne Blatt vorm Mund. Dann eine spöttische Nummer: "It´s so Hard". Gefolgt vom ruhigeren "The Other Side of Me". "Pictures on your Skin" bietet ein sophisticated Arrangement und musikalischen Tiefgang mit der schon bekannten Power. Das berühmte Muhammad Ali Zitat taucht darin auf: "Smooth like a butterfly, sting like a bee." Dann die Acoustic-Ballade "Sacrifice", welche noch zu Ehren gekommen ist und noch dazu mit dem schlichtem Charme daherkommt, so einfach gestrickt zu sein , dass sie jeder mittelmäßig fleißige Gitarrist leicht erlernen mag, ohne auch nur im geringsten zu verlieren. "Fluid Conduction" ist für meinen Geschmack eine der besten Nummern und erledigt bei ausreichender Lautstärke auch wieder das Staubwischen in eurer Wohnung. Nach weiteren zwei Songs schließt die CD mit der klugen Ballade "Time is a Jailer" und dem auch später noch viel erhörten stimmungsvollen "Mood Indigo".

Stil und Instrumentierung von ANOUK?s Rock sind nicht extravagant, bieten aber eine individuelle Ausprägung geläufiger Akkorde. Sie bewegt sich mit ihrer Band im Areal eines reifen Genres und versteht es eine eigene Interpretation desselben beizutragen. Ihre klugen Texte verstehen es Seelenzustände verständlich zu machen, beschreiben Erfahrungen gelebter Sexualität und Einsichten in Beziehungswelten. Weiblich, selbstbewusst, als betroffene Beobachterin kann hier kaum anders als von einer erfreulichen Mündigkeit gesprochen werden. (Jungens aufgemerkt: Hier kann man lernen.) Sie reichen weit über verbreiteten Hard-Rock-Blödsinn wie "In the light of the night...", "Monsters in the sky fly high...", "Big Tits fit..." usw. hinaus. Die Produktion ist differenziert, durchsichtig klar und druckvoll. Technisch und klanglich super. Cover und Booklet unspektakulär mit Bildern von ANOUK und zum Glück allen Texten. CD-Label Goldbronze. Sollte hier der Wunsch Vater des Gedankens gewesen sein, kann man nur zustimmen: Sie ist eine Auszeichnung in Gold wert.

Eine erste Scheibe ist oftmals die mit dem größten unverfälschten Elan. Ich kann die anderen ANOUK Sachen nur empfehlen. Sie ist sich treu. "Together Alone" bleibt trotzdem mein Favorit. Da knallts mal souverän und die Energie ist spürbar. ANOUK hat warscheinlich das Ventil angezapft , durch welches Gott langsam die Luft aus dem Universum lässt. Auf chromstählernen Schwingen düst ihr Gesang mit Tönen wie fluoriszierende Geschosse aus Lichtgewehren durch den Raum in unser Ohr, in unseren Bauch, in unsere Psyche, in unser Dasein und lässt uns selbst die Energie erfahren.

Hätte Zappa damals Ringo gefragt "Does humor belong to music?", hätte dieser wahrscheinlich geantwortet: Dumme Frage. (Naja, Amerikaner.) Gut, er kann sich das als Beatle vermutlich leisten, aber vergessen wir nicht, dass der Lennon/McCartney-Katalog einst an einen "Afro-Amerikaner" verscherbelt wurde, dass von Ringo auch schon Zeiten persönlicher Schwierigkeiten bekannt waren und es jede Menge Leute gibt, deren Geldvermögen durchaus Freiraum für wertvolle Kultur unabhängig von Profitstreben ließe, welche es aber trotzdem vorziehen die Welt und ihr Bankkonto mit billigem Schund zu beglücken, der kurzfristig höhere Erlöse über Massenverdummung zu erzielen verspricht.

Die Legende berichtet allerdings, dass die Belegschaft des eher auf gelinde gesagt einheimische Vertreter von Volkskultur spezialisierten KOCH-Music Labels im kosmopolitisch zentral gelegenen Martinsried noch heute wöchentlich einen rituellen Freudentanz zum Vertragsschluss mit einem Beatle über die Veröffentlichung von RINGORAMA aufführen. Unabhängig vom kommerziellen Erfolg, nur auf Grund von Ruhm und Ehre. Sie singen dabei angeblich sich an den Händen haltend im eliptischen Kreise hüpfend: "Man glaubt es nicht, doch ist es wahr, bei uns erscheint der Ringo Starr. Nach jahrelangem Humpapaa , erscheint bei uns der Ringo Starr. Entgegen jeder Algebra, belastet es auch den Etat von Afri- bis Amerika erscheint bei uns der Ringo Starr. Zum Glanz und dazu Gloria singen tralla und halleluja gemeinsam mit Victoria wir, dass das Schicksal sich begab und es schließlich uns geschah. Daher ganz laut dreifach HURRA ! bei uns erscheint der Ringo Starr."

Ich gebe zu ein RINGO-Fan zu sein. Auch wenn ich kein Schlagzeuger war oder werden wollte, identifizierte ich mich doch spontan mit diesem fast zwangsläufig als Nicht-Frontmann weniger gehuldigten Bandmitglied. Und das blieb so. Lennon wurde zu sehr als übernatürliches Genie angepriesen. Auch mit dem anderen Schönling Paul konkurrierte das Selbstverständnis des Heranwachsenden wahrscheinlich zu sehr. Ohne natürlich eigentlich ihnen abgeneigt zu sein, schienen sie einfach einer abgehobenen Unerreichbarkeit anzugehören, welche dem Jungen aus einfachen Verhältnissen kein ausreichendes Identifikationspotential auf freundschaftlicher Ebene bot. George hätte dies möglich gemacht, entbehrte aber irgendwie des Bezuges und es lag wahrscheinlich an seiner selbst von den Mitgliedern erlebten Sonderstellung in der Gruppe, die ihn ein wenig seltsam wirken lies. Er war etwas tiefgründig. Schließlich war RINGO mit seinen Ringen ein Kumpeltyp und in seiner Art so entspannt locker und unprätentiös. Er strahlte ein empfindsames Selbstbewusstsein aus, das familiär und aufrichtig bodenständig wirkte, schien rebellisch genug ohne sich selbst wichtig zu nehmen oder zu überhöhen. RINGO war einfach der Lustigste.

Auf der aus seinen Scheiben zusätzlich herausragenden ROTOGRAVURE sind es nun seine Freunde aus der vormaligen Viererbande mit Käferköpfen (John lebte damals noch und hatte sicher Riesenspaß) und andere , weniger bekannte Kollegen, wie Erich Klappton und Klaus Voorman (guter Freund und Bassist, nebst anderen Arbeiten für die Gruppe verantwortlich für das REVOLVER und das Antology Cover), die jeweils einen Song beisteuerten und natürlich auch mitspielen.

Nach dem höchst gelungenen Einstieg mit dem alten Rock´n´Roll-Schlager "A Dose of Rock´n´ Roll" nimmt der Frohsinn seinen Lauf. Gleich darauf eine erfreuliche Cover-Version des ebenso alten Rock´n´Roll-Schlagers "Hey Baby!" lange bevor die wirklich coole Nummer von untoten, österreichischen Gletschermumien durch Affengeschrei gemeuchelt und impotenten Trunkenbolden zum Frasse vorgeworfen wurde. (siehe oben: kurzfristig höhere Erlöse etc auf Kosten der Kultur.) Verständlicherweise möchte man wissen, ob das hübsche, feine Mädchen, welches die Strasse hinuntergeht, das meinige, seinige jeweilige werden möchte. Das hat Carl Grossman, der Songschreiber, welchem wir die Mios von der Mumie deshalb trotz Primatengrunz herzlichst gönnen (Menschen, die geile Nummern schreiben, genießen in unseren Augen/Ohren außergewöhnliche Privilegien.) genau erkannt. Dann folgen die extra für das Alben verfassten Nummern der Jungs und andere. Sind sie auch weniger hitverdächtig, so gehen sie einem doch gut ins Blut und bieten verschiedene Stilistiken und lebensnahe, intelligente Verse.

Die Platte ist angenehm zu hören. Wirkliche Musik von wirklichen Musikern macht wirklich Laune. Die Bilder im Booklet bilden den Spass der Beteiligten bei den Sessions zusätzlich ab und vermutlich weil Ringo es 1976 zu ersten Mal seit der Trennung der Fab Four geschafft hat sie auf einer Platte wiederzuvereinigen ist auf der Rückseite das legendäre Bild der Tür mit den Kritzeleien drauf.

Keinesfalls handelt es sich hier um ein irgendwie aalglattes Medienprodukt für eine Zielgruppe, sondern ein spezifisches Kleinod der Rock´n´Roll Welt. RINGO ist RINGO. Wozu sich verstellen. Aber nicht etwa wegen des Geldes. Wie? Voller queren Humor wie er es auf RINGORAMA sagt: "If you can´t laugh. What´s the Problem?"

Besser: Take a dose of Rock´n´Roll and wash it down with cool clear soul. Nicht zu vergessen: Shu bab du wau wauh!

Ganz klar Synthie Pop. Vermutlich sollte es genau das werden. Ist Annie bekanntlich die Stimme der EURHYTHMICS, welche für sehr erfolgreichen Synthiepop stehen und dessen andere Hälfte Dave Stewart (Zitat zu übersteuerten Signalen bei einer Session in Berlin: "Egal klingt immer gut.") ebenfalls weiter in diesem Genre aktiv blieb. Nach meinem Eindruck sind die elektronischen Klangerzeuger vielfach, wenn nicht alle real eingespielt und werden nicht nur von Sequenzern gesteuert. Drummachines hört man als solche und dazu kommen auch natürliche Instrumente. All das tut der Sache keinen Abbruch.

Die teilweise sehr bekannten Songs, wie - no more "i love you´s"- , -take me to the river- oder -a whiter shade of pale- sind ihre persönliche Wahl und jedem wird einmal mehr Leben eingehaucht. Mit an sich relativ schlichten Arrangements erhält jede Nummer eine ihr entsprechende Stimmung und Lennox Stimme setzt ihr unverwechselbares Timbre in einfüllungsvoller Weise variabel hinzu. Sehr empfindsamer Synthie-Pop!

Hätte das Produkt leicht stromlinienförmig und aalglatt werden können ist es das ganz und gar nicht. Es klingt nach der sprichwörtlich handgemachten Musik von Menschen. Man hört das Fleisch und das Blut. Das groovt, das schmachtet, es schwebt in Sphären und ist cool. Haben die Songs auch keine Gemeinsamkeit außer der Wahl durch Annie und sind die Stimmungen vielfältig so kann man das Album doch gut durchhören. Es bietet eine stabile Einheit als musikalisches Werk in sich.

Das Cover spiegelt diese klare, stabile Attitüde gut wieder: Eine bleichhäutige Annie Lennox als 5/7-Büste, den eigenen Namen in Schreibmaschinen -- Lettern auf die Stirn des markanten Gesichtes geschrieben. Einziger Farbtupfer ist der in die linke, obere Ecke groß und in Großbuchstaben in tiefem Kaminrot von oben nach unten gesetzte Titel: MEDUSA.

Innen wurde die Idee der Schreibmaschinenbuchstaben auf das ganze Gesicht übertragen und sonst finden sich die Songtitel, die nötigen Label-, Copyright-,Musiker-Infos, Danksagung und klare, aufrichtige Worte: ...love and gratitude...feel privileged to have been given this opportunity...To the writers of these beautiful songs I offer my profound respects.

So ist das: Die, welche selbst glückspendende Fähigkeiten auf hohes Niveau entwickelt haben, üben sich auch gerne in angemessener Demut.

Die Schreibmaschinen Lettern sind eine sehr passende Metapher: Geschaffen von einer Maschine als Werkzeug des Menschen mit einem perfektionistisch, industriell gefertigten Druckkopf sind die Buchstaben doch mit echter, flüssiger Tinte auf Papier aus ehemaligem Holz gedruckt und hinterlassen eine Verformung darin, fransen an den Rändern aus und sind doch alle zwangsläufig individuell und lebendig in ihrem mechanischen Ursprung der Wiederholbarkeit. Ein interessantes Konzept.

Das ist Kunst. (Unter Zurücklassung meiner gefürchteten gesamtphilosophischen Analysen weitergehender Universalität.) Alle dürfen sich in eigener Art darauf einlassen!

Wem Bach zu kompliziert, zu anstrengend, zu akademisch, zu affektlos trocken oder zu elitär erscheint, der hört eben die Brandenburgischen Konzerte. Natürlich ist Bach all das nicht oder höchstens von fehlgeleiteten Wächtern der Kunst falsch präsentiert. Das Köln Konzert ist Keith Jarretts Brandenburgische Konzert. Keith Jarrett ist ein musikalischer Gigant. Zahllose Alben seines Trios mit Jazzstandards, eigene Orchesterkompositionen, Kompositionen mit dem und für das Trio, Klavierkompositionen für andere Interpreten, mehr Symphonisches und sogar selbsteingespielte Aufnahmen von Werken des oben bemühten Bach sowohl auf Klavier als auch auf dem zu Bachs Zeiten (da gab es noch kein Hammerklavier) benutzten Spinetts gehören zu den Ergebnissen seiner Musikalität. Nicht zu vergessen die vielen weiteren Live-Solo-Klavierimprovisationen wie die Konzerte in Bregenz, Wien, Paris.

Keines konnte das Mysterium des Köln Konzert wiederholen. Vielleicht war es den Machern des kleinen und schon damals unabhängig von der Wirtschaftsmacht großer Recordcompanies in Locham/Gräfelfing antretenden und heute zu Universal gehörenden Jazz-Labels ECM erst nicht klar und sie hielten es eben nur für die Veröffentlichung eines weiteren Konzertes dieses Piano-Derwisches. Gerade recht für die gerne in das eigene Plattengeschäft in Pasing pilgernde ECM-Jazzgemeinde. Vielleicht hofften sie auch den wahrscheinlich unerwartet segensreichen wirtschaftlichen Erfolg mit anderen Solokonzerten wiederholen zu können.

Ich selbst bin eigentlich der ja auch ganz unterschiedlichen Musiken des Jazz nicht übertrieben zugeneigt (meine hoch differenzierten Detailansichten dieser Haltung werden hier gespart), aber glücklicherweise offen genug mich an aller Musik über mögliche Kategoriegrenzen hinaus unvoreingenommen erfreuen zu können. Trotzdem bewog mich die Erfahrung des Köln Konzert andere Aufnahmen zu erwerben und ohne deren Leistung schmälern zu wollen, es waren auch immer wieder sehr schöne Stücke darunter, blieb die spezifische Magie des Köln Konzert ein solitäres Wunder.

Wäre es nur meine subjektive Erfahrung und könnte man eine kurzfristige von Mundpropanganda der Fangemeinde, geschürt durch clevere Promotion und ähnlichen bewirkte Massenhysterie ausmachen, möchte man alles als Folge des Zaubers eines "ersten Males" abtun. Als Projektion einer befreiten und überemotionalisierten , entfesselten Jugend, die sich einen Messias sucht. Jedoch ungebrochen ist die Wirkung. Viele Jahre nachdem es mir auf einer Autofahrt durch schneebedeckte Landschaften des winterlichen Bayern von meiner damaligen, sehr schneidigen Freundin in Erwartung eines erotischen Wochenendes im elterlichen Wohnwagen des zu dieser Saison verlassenen Campingplatz am See vorgespielt wurde, rührten mich Stellen in ganz anderem Kontext wie nur wenige Musikstücke es vermögen spontan zu Glückstränen. Immer noch wird das Köln Konzert in aller Welt verkauft ohne noch beworben zu werden und ohne dies zu benötigen. Wahrscheinlich stehen die Verkaufszahlen Keith Jarrett´s aktuellerer Produktionen dahinter zurück und das Köln Konzert sichert ihm sein künstlerisches Dasein .

Beginnend mit einem scheu in den Saal tropfenden Motiv entführen es sogleich sanfte Harmonien in eine Welt die unsere Psyche märchenhaft entrückt. Lässt man sich forttragen, begegnet man auf der Reise melodischen Kleinoden, bombastischen Harmoniekaskaden untermalt vom Stöhnen des agierenden Pianisten. Orgiastisch werden kräftige rhythmische Strukturen wiederholt und münden doch leicht in luftige Phrasen fröhlichen Genusses. Der schwimmt sogar in Milch. Durch teilweise starken, aber nichtsdestotrotz gezielten und fähigen Pedaleinsatz sich zusätzlich aufbauende Klangberge in momentaner Stagnation vor der sich neu in der Improvisation ergebenden Idee, welche sich fort spinnt und wie logisch entwickelt, folgt ihr eine andere feine Phrase in wieder nicht gekannte Landschaften. So wird die Musik auch für den Zuhörer zur körperlichen Erfahrung, welche dem Treiben erliegt. Daher nimmt man dem Spieler seine im normalen Konzertbetrieb schlicht unmöglichen Laute ob der zwischen den Polen seiner Schöpfung leidenden Spannungen als unwillkürliche Äußerungen seines künstlerischen Erlebens nicht nur in Kauf sondern bald als Zeichen der Authenzität an. Bald ächzt man selbst innerlich und versteht nur zu gut den Drang die Erlebnisse auf der Reise durch Jarretts Schwingungs-Universum auszudrücken.

Es sind Klänge eines freien Verständnisses von Harmonie, Melodik und Rhythmik. Nicht unbedingt typisch jazzig. Sehr unmittelbar und gefällig. Statt strukturell kompliziert zu sein, bieten sie eher eine Vielzahl intensiver Affekte zur direkten Empfindung. Die stellenweise in der Improvisation natürlich entstehenden Spannungen und kathartischen Lösungen, die rhythmischen Ostinati über kräftige Harmonien, Riffs mit hypnotischer Wirkung ethnischer Ritualmusiken, offenkundig der Jazzschule Entsprungenes und fast popige Melodien gleiten mühelos ineinander, so dass der Hörer sich forttragen lassen darf, ohne Sorge haben zu müssen, verloren zu gehen. Alles fügt sich zu einem Abenteuermärchen der aufeinanderfolgenden Zauberorte und Wundergeschichten. Lebendig dargeboten vom in ihnen aufgehenden und uns Teilwerden lassenden Erzähler. Der vierte kürzeste Teil des Konzertes , bezeichnet als Part II c, basiert offenbar auf einem nicht mehr ganz frei in ´s Ungewisse hineinimprovisierten Rahmen eines hübsch seligen Themas.

Geschickt schließt Jarrett damit sein Konzert. Jeder professionelle Musiker weiß, dass Improvisationen, besonders unter dem Druck einer Live-Darbietung für zahlende Gäste zum absolut überwiegenden Teil keine reinen Neuerfindungen insgesamt sind. Sein können. Normalerweise nimmt der Künstler Basisideen und Bruchstücke, musikalische Rahmen aus Harmoniegerüsten und nicht zuletzt insgesamt eine Praxis aus seiner Übungsroutine und Vorbereitung als Stütze und Einstieg mit in die Live Darbietungssituation. Es gewährt ihm und dem Publikum die Garantie wenigstens nicht elendem Mist eines wie auch immer misslungenen Schicksals eines irgendwie missratenen Abends ausgesetzt zu sein. Könnte ja passieren. Bei ganz freier Improvisation. Diese betreibt er im Vorfeld. Wenn er für sich bei ausreichend Zeit und terminfrei unterbrechen und reflektieren kann. Darauf baut er auf, entwickelt und lässt entstehen, was ihm diesmal dazu einfällt und wozu es ihn und sich selbst treibt. Im optimalen Fall entsteht daraus oder unabhängig davon etwas wirklich unmittelbar ganz Neues.

Trotzdem ist ein so in sich passendes und kraftvoll bejahendes Improvisationskonzert (mit extrem wenigen wahrnehmbaren Fehlgriffen, nur bei wirklich sehr kritischem Hören. Sollte man sich zu Gunsten des Genusses sparen) so schlüssig und rund ein herausragender Glücksfall. Bei der besonders gezielten Vorbereitung auf ein Konzert, das aufgezeichnet wird (man möchte nicht wissen, wie viele Wunderwerke ohne Aufzeichnung der Welt entgangen sind.) hat er sich wohl überlegen dürfen es nicht ausgerechnet zum Ende hin zu gefährden. Der abschließenden Improvisation gelingt dies in seligster Weise.

Langanhaltender Beifall eindrucksvoll aufrechter Dankbarkeit des Publikums liefert dessen eindeutigen Ausdruck unbedingten Einverständnisses.

Trotz dieser und vieler weiterer Erfolge und Preise wird sie in der strengen Welt der Klassik oftmals noch immer geschmäht. In ihrer Philosophie und ganz offensichtlich in ihrer musikalischen Praxis steht der Spaß an der Musik klar im Vordergrund. Damit tun sich gewisse Wächter der Kunst seit jeher schwer. Die in Hotpants ihre pubertäre Erotik lebende Künstlerin vergraulte solche Gestalten gleich zu Beginn ihrer internationalen Karriere. Erotik scheuen vor zwanghafter Regeltreue staubtrockene Kulturhüter wie der Teufel das Weihwasser. Wörtlich.

Vanessa Mae macht es ihnen nicht leicht. Ist sie doch hochgradig virtuos, musikalisch extrem vielseitig, bildhübsch, ohne Hehl bezüglich eines gerne genutzten Sexappeal, hervorragend intelligent und mit ihrer ausgezeichnet freundlich angenehmen Art eine souveräne, selbstbestimmte Frau. Sie hat Spaß, sie findet ihn wichtig, vielleicht das Wichtigste an der Musik und sie kann ihn vermitteln. Vanessa Mae macht Spaß. Besonders live. Vanessa Mae wandelt stets über frisch mit Wasser bespritzten Rosenblättern auf die Bühne.

Wenn sie einem freimütig nach geduldig unzähligen Fotowünschen der immer gleichen und dann neuen Fans bereitwillig ohne Allüren stets freundlich nachgebend gegenübersteht und in die Augen blickt, spürt man eine segenspendende, klare Energie herrlich strahlender Schönheit.

Eigentlich mochte ich keinem ihrer auch unterschiedlichen Platten, welche allesamt besondere Perlen enthalten, den Vorzug geben. Dieses bietet einmal mehr ein wunderbares Potpourri scheinbar unvereinbarer Stilistiken mit durchweg gelungenen Arrangements teilweise bekannter, klassischer, fernerer und spezieller Titel. Insgesamt ist es poppig. Dabei energetisch sehr kraftvoll.

Auf das sanft einleitende "Summer Haze" folgt die sehr an Vivaldis Jahreszeiten erinnernde Titelnummer "Storm". Die gerät manchmal haarscharf nicht aus den Fugen. "Retro" kann ganz gut als eigenständige Synth-Fusion Nummer erklärt werden. Das hübsche "Bach Street Prelude" in sich kapriziös entwickelnden, sich bisweilen verklärendem Computerspieluhrenarrangement kommt als Nächstes. Kontrastreich dann eine erzählerische Gipsy-Moritat. Kippt sie manchmal wieder klassische Motive birgt sie überbordende, spielfreudige Musikalität.

Aber jetzt geht´s erst los: Der "Can Can". Garant für gute Stimmung als knallharte Disco-Hymne. Wer will da "Nein" sagen? (und wenn, selber schuld) Stromgeige und Gestöhne. Accelerando zum Schluss und künstlicher Chor. "Can, Can (You?)" lautet der abgewandelte Titel. Sie kann´s. Und zwar hemmungslos.

"Happy Valley" total anders. Eine Modern-Classics Celebration mit asiatischen Elementen und echtem Chinesen Chor. Zur Wiedervereinigung Hong Kong´s mit dem Festland. Da kann man nicht meckern. "A Poet´s Quest (for a Distant Paradise)" -für was sonst?- ist poetisch. (was sonst?) Sehr salbungsvoll. "Embrasse Moi (You fly me up)", die erste Nummer mit Vanessa an den Vocals. Himmlisch. "Aurora" trägt uns schwungvoll mit Violinengeschmacht über die Landschaften. "I´m a doun" ein sentimentales schottische Volkslied aus dem 19. Jahrhundert. Aufwendig orchestriert und nicht so langweilig wie "Mull of Kintyre". (Sorry Paul.) Jetzt der damalige Aufhänger: Donna Summers No.1 "I Feel Love" mit Vanessa on Vocals. Unweigerlich Disco. Hart, kühl und schwülstig. Dieser sehr spacy.

Extrem cool im Anschluss die fantastisch Starke Nummer "Hocus Pocus" der frühen Klassikrocker aus den Niederlanden: "Focus". Damals eine Sensation. Frisch wie nie kommt sie hier mit Hilfe fortgeschrittener Aufnahme - und Klangtechnik in grossartig entwickelter Neuauflage und musikalisch voll der Freude einer beim Spiel tanzenden, jungen Frau daher.Alles mündet im sakralen "The Blessed Spirits". Eine Frau, die dankbar und glücklich ist, sich an der Spitze ihrer Zunft und des Daseins zu befinden. Genau da, wo Menschen wie sie hingehören .

P.S.: Wenn ihr eine moderne Version der "Vier Jahreszeiten" von Vivaldi (in originaler Version mit nur leicht angepasstem Arrangement und mit zusätzlichem Material auf der Platte) sucht, seien euch auch diese von Vanessa Mae an´s Herz gelegt. Sehr lebendig und Vivaldi hätte sich womöglich gefreut (denn der Barock war kein Zeitalter "unveränderlicher Vierecke") auch ´mal wieder eine die Strenge durch Lust am Spiel durchbrechende Version zu erleben

Auffallend vollverspiegelt ist Harrison´s Brille auf dem nur ihn vor schlichten Wolken zeigenden Cover. Die haben da Alufolie aufgeklebt. Ganz in Schwarz, lässt man das geschmacklich streitbare Linienmuster auf dem schwarzen, dem Anschein nach einem fernostasiatischen Touristenmarkt entsprungenem Hemd beiseite (Qualität: Hawaii-Hemd in S/W), schwarze Gretsch-Gitarre, Hose: schwarz und irgendwie wirkt Harrison mit dem unrasierten Grinsen unter den Wuschelhaaren selbst leicht höhnisch. Ein Wolkenbalken unterstreicht seinen Namen vor den eigentlichen Wolken als einzige gestalterische Raffinesse. Innen geht es ebenso schlicht weiter. Bilder internationaler Musikidole in familiärer Studiosession-Atmosphäre: Eric, Elton, Ringo, Gary Wright, Jeff Lyne…special thanks im Alltagsdress.

Elf Titel (zehn offenbar von George, denn es fehlen undurchsichtigerweise Urheberinfos, und eine alte Rock´n´Roll-Nummer zum Schluss) bringen abwechslungsreiches Songerlebnis nach Hause. Gehaltvolle Texte geben Georges Gedanken Preis, charakterstarke Musik kleidet die Themen erfreulich und farbig. Nicht zu kompliziert, doch mit menschlichem Tiefgang Gemütszustände und Dinge des Lebens behandelnd. Vordergründig deutlich wird das an der reflektierenden Nummer "When We Was Fab“, welche sehr geklärt die Situation der Beatle- Boys zur Ruhmeszeit darlegt und dies auch im Arrangement ironisch unterschreibt. Langsame, lustige und Liebeslieder. Beschwingter Rock und Metaphysik. Solche Platten macht der Harrison, wenn er reif und frei ist. Kein Beatle sein muss, trotzdem sich das nicht ändern lässt. Hätten sie sich nicht aufgelöst, wäre es wohl in diese Richtung gegangen. Kommerziell ist das zu eigensinnig. Eigenständig. Die Alufolienaugengläser zu wohnzimmerkreativ. Die Platte sagt: "Wir kochen alle nur mit Wasser. Manche haben einfach mehr Talent, mehr Möglichkeiten oder mehr Glück. Wichtig ist, echt zu sein. Das kannst du auch. Besser als die Seele mit Hochglanzchromplastik verklebt zu bekommen, damit es blinden Massen als toll angedreht werden kann.“

Lässt man sich auf die etwas queren Nummern ein, findet man ein Weise der Kunst als menschlichen Ausdruck normaler Leute, facettenreich, wie der Alltag mit der ebenso profanen , wie unglaublichen Schönheit der Gänseblümchen und Buchfinken und wird mit dem vielleicht auch zynischen, aber sehr Spaß bringenden und tanzbaren "I got my mind set on you“ belohnt. Wenn man eine Platte des Niveaus von Beatles sucht, kauft man am besten eine Platte eines Beatles. Wolke neun ist zwei Stufen über Wolke sieben.

Fast bescheiden lässt Cliff sich von einer sechsköpfigen Liveband, vier Backgroundsängern und acht Tänzern begleiten. Jedes Detail dieses über zweieinhalbstündigen Liveerlebnisses liegt in hervorragender Bild- und Tonqualität auf technisch höchstem Niveau vor. Die Bildqualität verträgt problemlos Zoomvergrösserungen. Ohne jeglichen Zweifel sind hier souveräne Profis am Werk. Dem Status gebührend wird hier nicht gekleckert. Natürlich erwartet man von einer fünfzigjährigen Erfahrung auch ein entsprechendes Niveau. Nur gibt es auch andere, die lange von der Bühne, von der Bildfläche, aus dem Leben verschwunden sind. Wieder andere sind entweder zu routiniert geworden oder sehr abgehoben. Verstecken sich womöglich ob ihrer Möglichkeiten hinter einem uferlosen Apparat oder lassen von einer Garde jüngerer den Auftritt bestreiten, welche sie stützen .

Nichts davon hat Cliff nötig. Über zweieinhalb Stunden sind schon für Zwanzig jährige Bands und Sänger eine Strapaze. Cliff ist immer vorn an der Rampe. Tanzt, lässt sich auf einem Surfbrett herumtragen, hüpft ohne deswegen sich in Playback flüchten zu müssen. Wechselt die Klamotten. Spricht viel mit dem Publikum, was sehr aufrichtig vertraulich und sympathisch wirkt, aber auch der Stimme Pausen gönnt. Vergessen wir nicht, dass jeder von uns in seinem Alter froh sein wird einigermaßen gesund zu sein. Sogar eine Live-Uraufführung: "She means nothing to me" gibt es, da er die Nummer bisher nie auf die Bühne bringen konnte. Tolle Tänzer, schöne Kostüme. Vor dem Time-Machine Bühnebild werden die Songs mit individuellen Choreographien abwechslungsreich in Szene gesetzt. Klasse Show. Leicht und konventionell. Natürlich weder Avantgarde noch Revolution.

Gute Musiker spielen die Sachen ohne Tadel. Moderner, erstklassiger Sound. Cliff ist kein Jahrhundertsänger und sein Alter macht es seiner Stimme nicht leichter. Aber das ist vollkommen egal. Souverän und professionell beherrscht er das Material des umfangreichen Programms. Ganz sicher ist alles in Ordnung mit seinem Vortrag und im Vordergrund steht allemal der Spaß. Und den haben sie immer noch.

Nicht das man glaubt das ließe zum Ende hin nach. Im Gegenteil steigert man die Stimmung noch einmal auf einen Höhepunkt hin und Cliff und seine Leute lassen die Hüften kreisen zu schwungvollem Rock´n´Roll. Dann im "Millenium Prayer" wieder mehr Pathos und noch mal zieht das Showtempo zum Schluss an. Das Publikum klatscht mit, schunkelt, die Halle steht längst. So ist es gewünscht.

Zwei verschmerzbare Wermutstropfen bleiben. Die Bildergalerie als Bonus ist schwach und die Bildergalerie selbst leider auch. Ich finde diese Bonusmasche ohnehin schwachsinnig. Was auf der DVD/CD drauf ist, ist drauf. Es gibt doch sowieso keine Version ohne den Bonus usw. Aber wenn schon, sollte es vielleicht besser dem Status genügen. Das tut die Bildergalerie nicht. Jeder Fan hat sicher seit Jahrzehnten mehr, speziellere, bessere Bilder gesammelt. Es sind nur 11 schwarz-weiße und zwei farbige. Aus fünf Jahrzehnten?! Wie es heißt. Und gerade besonders spektakulär sind sie auch nicht.

Es lassen sich aus so einer Karriere nicht alle Hits auf einem Konzert spielen und auf einer DVD vereinigen. Es sind zuviele. Doch fehlt mir einer: "Lucky Lips". In Deutschland als "Rote Lippen soll man küssen" bekannt geworden. Weicht der deutsche Text vom Sinn der englischen Version weit ab, was wohl dem Autor angelastet werden muss, ist doch die Originalversion eine Perle alltäglicher Weisheit. Klar und schlicht formuliert, wirklich wahr und stets zu bedenken. Ein schöner, kleiner Song für Jedermann und zum Mitsingen.

Vielleicht gab es verlags-, urheber- oder sonstige rechtliche Hindernisse die Nummer mit ins Programm zu nehmen. Vielleicht reizte Cliff das einfache Stück nicht mehr oder es hing ihm sozusagen gar zu sehr zum Halse heraus, als dass es noch einen Platz darin finden mochte ? Zugegebenermaßen gibt das Lied musikalisch nicht viel her, ist aber gerade deshalb so unmittelbar, hat mit seiner hübschen Melodie den lebensfrohen Charme eines Lausbuben. Es verwundert einfach, dass ein so großer Hit fehlt und viele werden ihn vermissen.

Sonst alles bestens: Riesenkonzert, super Realisation. Schnulzensängerschönling? Ja ! Das ist Geschmacksache. 50 Jahre Bühnenpräsenz nicht. Die Gunst der Massen ist nicht immer eine Auszeichnung. Die Gunst der Zeit manchmal auch nicht. Nicht alle überleben und es zu schaffen ist edel genug. Eine Legende zu werden kann niemand steuern. Keine Kratzer in den Lack des Monuments zu bekommen ist schon außergewöhnlich. Nach oben kommen viele. Oben bleiben wenige. "I´m nearly famous now" (Jetzt bin ich schon fast berühmt) singt Cliff.

Wo er recht hat , hat er recht. ;-)

Dann kam sie relativ unerwartet mit einem Roman ans Tageslicht zurück. Die Einen überrascht (können MTV-Moderatorinnen schreiben und lesen?), andere desinteressiert, wurde dieser stark beworben und fand ein breites Publikum. Charlottes Moderatorenerfahrung machte sie zu einem praktikablen und gern genommenen Gast der unzähligen Talk -, Interview – und Wir besuchen uns für die Bewerbung unserer Produkte einfach gegenseitig – Shows. Dort sollte sie zur Belustigung die jeweils ekeligsten Stellen aus ihrem Buch beispielhaft vortragen. Alte verklemmte Typen laden gerne junge Frauen wegen bisschen Schmuddel ein. Vor allem wenn sie optisch eher …eben wir kennen sie ja.

Der Roman ist literarisch entbehrlich. Die Sprache bietet wirklich wenig Besonderes, nicht einmal heiße Jugendkulturfloskeln. Die Story, sozusagen die Handlung ist stark begrenzt und weder von spektakulärer Spannung, noch neuen Erkenntnissen, tiefen Gefühlen, historischen Zusammenhängen oder irgendwas in dieser Richtung erfüllt. Die ganze Sache dreht sich fast ausschließlich um, bzw. ist nur das seichte Rahmenprogramm für die immer deutlich hervorgekehrte Vorliebe und Verfolgung ausdrücklicher Antihygiene. Dies wird bei allen Gelegenheiten und in Bezug auf alle Lebensbereiche und natürlich besonders in Zusammenhang mit den relativ weitreichenden sexuellen Errungenschaften ihrer Heldin Helen dargestellt. Zusätzlich entwickelt sie ein gewisses Sendungsbewusstsein die Welt mit der Antihygiene zu versorgen und schadenfroh zu necken. Helen ist ein wenig infantil. Ist wahrscheinlich in dem Alter, in dem man sich gewöhnlich für sehr erwachsen hält ganz normal.

Das Buch liest sich leicht und schnell mangels Gehalt. Wenngleich die Hygieneparanoia einiger Wohlstandsbürger zweifellos so lächerlich wie dumm ist, würde ein Psychologe Helens, und laut ihrer Talk-Show Besuche auch Charlottes Hygieneauffassung als zwanghafte Störung aufgrund frühkindlicher Traumen in der analen Phase verstehen. Das wird auch bestätigt, denn die Heldin rebelliert gegen den bürgerlichen und geschlechtlich ungerechten Hygienewahn ihrer Mutter. Bestimmt ist die besessene Fixierung auf die Lust sich zu beschmutzen und immer irgendwelche Aufhänger oder sonstig scheinbar außergewöhnlichen Praktiken zu nutzen nicht die Lösung und kein Zeichen eines entspannten und gesunden Verhältnisses zur Sexualität und allen möglichen Varianten mit und ohne Bakterien. Leider bleibt die ganze Sache sehr oberflächlich und es werden keine Zusammenhänge klar außer, dass eben Helen geil auf Schmutz ist, weil ihre Mutter den immer verboten hat. Na toll. Insgesamt ist es die flache Geschichte eines jungen Allerweltsmädchens, dass ihre bürgerliche Vergangenheit und Jugendkonflikte verarbeitet. Der berüchtigte MRR würde wohl einmal mehr von Nabelschau sprechen. Weil aber genau das das Problem eines großen Teiles der Gesellschaft und von Frauen und Mädchen noch immer ist, kommt die pseudolockere Dreckspielerei bei Vielen an und das eigentliche Drama ist, wie furchtbar hartnäckig das Problem sein kann und wiederkehrt. So gesehen war dies Werk sicher noch sehr nötig zur Befreiung der Frau und als neuer Anstoß gegen die, auch durch wahnwitziges Medienbombardement bewirkte, Stagnation der sexuellen Revolution. Nur kein Stress: So allgemein normales Vögeln auch nach der Dusche ist nicht geringwertig und vollkommen okay. Liebe stört nicht. Sorry, Charlotte, dein Zeug ist gar nicht so interessant, aber wir gönnen dir die Kohle und mögen dich trotzdem.

Auf den drei Scheiben finden sich bekannte Hits wie "It´s my Party“ – damals der Charteinstieg für die beiden (bis der "Bird Song" von Lene Lovitch (grusel) die No.1 belegte) – die Rock´n´Roll - Tanznummer "Locomotion“, den wirklich extrem klasse Song "Busy doin´ nothing“, welcher schon mit Bing Crosby voller Frohsinn war: "We´re busy doing nothing, working the whole day through, trying to find lot´s of things not to do, we´re busy going nowhere, isn´t it just a crime, we´d like to be unhappy , but: we never do have the time….”

In neuen facettenreichen Gewändern, welche den unvorbereiteten Zuhörer mit Vertrautem an die ausgeklügelten, glasklaren Synthiesoundkaskaden von Daves Arrangements heranführen. Auch weniger bekannte Werke anderer Songschreiber wie "Leipzig“ von Thomas Dolby und das wunderbare "I´m in a different World“ von Holland/Dozier, Johny Rocco von van Dyrke oder der "Siamese Cat Song" von Peggy Lee und Sonny Burke aus Disneys "Susi und Strolch" und viele Andere finden sich.

Die eigenen Nummern sind noch interessanter. In ihnen offenbaren sich umso mehr die Talente. Barbara Gaskins Stimme ist sanft, angenehm und dabei leicht fähig sich den Stimmungen der Titel entsprechend romantisch, fröhlich, traurig bis melancholisch, poppig, frech, erzählerisch, beschwörend, bestimmend, abgehoben, liebevoll, liebenswürdig und oft entrückt zu geben und dabei immer ein bisschen streng, akademisch korrekt, vielleicht gleichzeitig so kühl wie die künstlichen Klänge der Synths und Sampler sein zu dürfen. Dave kann hier frei seinen stimmungsvollen, bis symphonischen Klanggemälden nachgehen. Grob gesprochen handelt es sich um 80er Jahre Synthie-Pop. Kompositorisch , musikalisch jedoch hochanspruchsvoll. Hier werden mit elektronischen Klängen wie mit Orchesterfarben Gemütsverläufe weit über gängige Songmuster hinweg gestaltet. Jede Nummer eine Reise durch die im Text beschriebenen Situationen. Da sind opulente Balladen wie treibende Up-Tempo Knaller. Eingängige Gassenhauer neben komplexen und harmonisch sich verstrickenden Gebilden. Wirklich bemerkenswerte Konstrukte kompositorischen Geistes paaren sich mit konventionellen Refrainmonstern.

Dave hat selbst zwei Bücher zu Komposition, Arrangement, Improvisation etc. verfasst, die diese Dinge auch Laien näherbringen können. Nur in englischer Sprache erschienen.

Auf der Homepage wird sie intelligente Popmusik genannt. Yes!

New York ist amerikanischer Punk, Underground, ist Lou Reed. Die Songs beschreiben in einer beeindruckenden Klugheit, textlich auf einem poetischen Niveau – was sind Songtexte anderes als Gedichte, Verse, Poesie? – und dabei aufs eindringlichste die hässliche Lebensrealität einer amerikanischen Städtekultur und deren Unterschicht. Keine weichen Rindsledersessel. Kein Gucci. Kein Chrom.

Drogen, Prostitution, Bildungsmisere, Bildungsfatalität. Homosexualität, HIV…Tod. Die Musik ist von der selben Kraft. Roh, unverblümt und sehr intensiv. Mit seinem Lieblingsset "you can´t beat 2 guitars, bass, drum“ entstehen 14 Titel, die in ihrer Einheit des Sounds und der Attitüde keinerlei Langeweile aufkommen lassen oder nur annähernd einen Verdacht es könnte alles gleich klingen bestätigen. Diese Songs sind stark und eigen. Auf eine direkte, bedrohlich wahrhaftige Art. Die wenig sangliche Stimme Reeds ergänzt die Musik mit ihrem Sprechgesang wunderbar. Texte im Booklet. Der Sound und die Produktion sind erstklassig. Bass, Schlagzeug, Gitarren klingen wie im Zimmer. Kein Effektfirlefanz, nur Druck. Geistiges Niveau hoch, Talent klasse, professionell hervorragend, Bodenständigkeit stabil, einfache Wahrheiten.

Sicher nicht jedermanns Geschmack. Vielleicht ist es Vogelscheiße auf deinem Kopf, die wir vermeiden möchten und schnell aus dem Leben zu verbannen suchen, welche hier besungen wird. Aber diese Vogelscheiße gibt es und auf dieser Platte kannst du sie riechen. Dabei ist sie verdammt cool zu hören.

Gewissermaßen ist es unnötig zu Pan Tau überhaupt eine Rezension zu verfassen, da die Serie diesen sprichwörtlichen Kult-Charakter erreicht hat. Leider ist das Attribut "Kult“ zu einer dieser Worthülsen verkommen, das nur mehr zu dem blinden Wunsch ohne eigene Auseinandersetzung oder gar Reflektion daran – an dem Kult – teilhaben zu dürfen oder zu müssen, taugt. Es handelt, sich wohl um ein Symptom der desozialisierten (© bernhard faaß) Gesellschaft, welche in Verkennung ihrer sozialen Defizite nurmehr den tief empfundenen Mangel verspürt. Dabei leider die Ursachen oder das, was verlustig ging, nicht mehr erinnernd es daher durch hohle Ziele wie eitle Götzen zu ersetzen sucht, nur um diese in auffälligem Eifer zu verfolgen. Kult: rituelle Anbetung aus Kompatibilitätsgründen bedeutungsentleerter Idole durch relativ schwachrational entwickelte Geister zur Erlangung von diesen Mechanismen nutzender Herrschaftsklasse in Aussicht gestellter Erlösung. Unterstützt niedere Instinkte wie vordergründiges Rivalitäts-, Karriere – und Hierarchiedenken. Insgesamt rudimentär und evolutionshemmend.

Nennen wir Pan Tau lieber eine Legende. Verwunderlich genug, dass die Verfügbarkeit der Serie auf DVD so lange auf sich warten lies. Anlass genug diesen Klassiker einem neuen Publikum nahezubringen, das nicht schon aus vormaligen Zeiten vollkommen hingerissen von der dezenten Figur das Erscheinen hoffnungsvoll erwartete. Ja Leute, das ist die gehaltvolle, unschuldigem Frohsinn, selbstverständlicher Empfindungstiefe und der Zufriedenheit lebendiger Menschen entspringende Traumwelt. Am Beispiel der im Zusammenhang nicht erstrangigen Hintergrundmusik wird ersichtlich mit welch aufrichtigem Engagement man zu dieser Zeit das Geschäft der Fernsehserien-Produktion betrieb. Es ist eine dieser begeisterungswürdigen tschechischen Werke, die dem Gemütsreichtum der slawischen Seele alle Ehre macht. Wirklich schöne, kunstvoll komponierte Musik von echten Musikern eingespielt, war Ehrensache. Vom hohen Wiedererkennungswert der Titelmelodie nicht zu reden, dessen Thema in geschickter Weise den Stimmungen der jeweiligen Szenen entsprechend arrangiert wird. Eine derartig gekonnte Detailgestaltung kommt einem bei heutigen Produktionen gar nicht mehr als Option in den Sinn, so abwegig lassen sie das allgegenwärtige Kostendiktat der Billig-Billig-Profit-Wegwerf-Schei…tel dr….über….Produktionsmaschine erscheinen. Wirklich von Herzen arbeitende Könner bringen ihre Befähigung zur Geltung. Trotz geringerer technischer Mittel und geringeren Budgets übersteigen die ausgebildeten Möglichkeiten des menschlichen Geistes und des Antriebs bestmögliche Ergebnisse zu unseren Gunsten und unserer Freude zu schaffen kurzlebig platte Reizeffekte durch vielfältige Details, Tiefe des Ausdruck und Sinngehalt, welche die Folgen zu einem immer wieder wertvollen Genuss werden liessen.

Pan Tau ist eine reife, dabei klare und strukturell richtiggehend einfache Figur. Schon der Name ist Beweis für gestalterische Intensität auch auf der zweiten und weiteren Bedeutungsebene. Der klangvolle Name des schweigsamen Herrn besteht aus zwei Begriffen der mystischen Welt, die sich in ihrem offensichtlichen Gegensatz zu einer natürlichen Symbiose vereinigen. PAN der ziegenhufige König der Waldgeister und Elfen – neuerdings bekannt durch den Fantasy-Film "Pan´s Labyrinth“ und vormals von der Kirche als Bild des Leibhaftigen missbraucht – repräsentiert die animalischen Kräfte der Fauna, der säugetierhaften Natur, irrationale, instinktive biologische Mächte. TAU, ist wohl nicht unbedingt der flüchtige Glanz eines wörtlich zu verstehenden Taues, als vielmehr das asiatische Dao, früher oft in der Lautschrift als Tao mißinterpretiert und/oder zugleich der mit vielfältigen Interpretationen belegte letzte und 22. hebräische Buchstabe tatsächlich identischen Namens Tau. Unser T, welches seither auch mit dem Christus, der universellen Liebe identifiziert wird.

Die sanfte Person in dem schon zur Entstehungszeit höchst altmodischen Herrenkombination eines Gehrocks mit großgraugestreiften Hosen, einem "Vatermörder“-Kragen inklusive Krawattenschal, wieder symbolträchtigem Schirm und der bekanntlich zentralen Melone, im deutschsprachigen Raum korrekt als "Stresemann“ bezeichnet, nicht zu vergessen die stets frische weiße Nelke im Revere, hebt sich allein durch die ausdrücklich die gängige Mode übersteigende Eleganz einer entrückten Welt ab.

Pan Tau ist ein metaphysisches Wesen. Ein Held. Keiner der gewalttätigen Heroen, weltherrscherischen Größenwahns, korrupter Sieger wirtschaftlicher Überlegenheit, Supergenie oder Mörderkräfte, kein Antiheld verlorener Ideale, Retter oder Befreier unterdrückter Sehnsucht. Pan Tau hat diese Probleme nicht. Er bietet keinen Ansatz für Eskapismus schwacher Gemüter oder um sich für etwas Besseres zu halten. Die Welt ist eine frohe. Entspricht dem Lebensgefühl der Leute in einer Zeit als alles besser zu werden schien, besser wurde. Pan Tau lässt die Welt gewähren und schaut gelassen zu. Weder wird Perfektion angestrebt, noch ist diese Welt eine naive Idylle. Der souveräne Herr, dessen Verständnis ohne Worte, ohne Sprache auskommt, benötigt keine irdischen Mittel um zu große Irrtümer zu korrigieren. Pan Tau hat es leicht: Er kann zaubern!

Mit einer subtilen Geste um die wunderkräftige Melone ist ihm jede Lösung möglich. Und diese Kraft wird dezent wirksam. Pan Tau ist nicht allmächtig, sondern auch verletzlich und gefährdet. Liebenswürdig, wohl gesonnen, gefühlvoll, einfühlsam, mitfühlend. Ein Held, genauer ein Freund der Kinderseele.

Der Himmel schickt ihn. Ein Außerirdischer? Mit seiner, wie einem der alten Jules Verne Romane entsprungenen Weltraumkutsche fliegt er, ohne Atemgerät, hinab auf die Erde. Das Flugobjekt erweist sich als winzig, wie sein Passagier, der sogleich Kraft der Melone zu einer in unserer Welt normalen Statur wächst und sein fragiles Gefährt einfach in die Rocktasche steckt. Nun kann Otto Simanék der kongeniale Darsteller eins geworden mit Pan Tau beginnen die Welt – nicht belehren, nicht befreien, nicht retten, Nichts von den falschen Hoffnungen erfüllen – zu beglücken. Die Welt der einfachen Leute und deren kleinen Sorgen und Nöte mit Glück zu erfüllen, begibt sich das übernatürlich Wesen mit der zauberkräftigen Melone in ihre Mitte und nimmt Teil an allem, was unseren Alltag ausmacht und wichtig ist: Schnee, Weihnachten, Schule, Reisen, Zirkus, Taxi und manchmal tanzt er aus der Reihe. Pan Tau lässt uns nichts weiter erkennen als das Glück und die Wunder unserer Welt, die uns profan erschien und doch bunter und unglaublicher ist als es stromlinienförmige Hochglanzmegablitztechnologieersatzprodukte vorzugaukeln versuchen. Pan Tau kann eben zaubern.

Es sind auch keine "neuen" Lieder. Es sind amerikanische Songs. Aus dem sprichwörtlichen Great American Songbook. (Zwei von ihm selbst.) Von einem gesungen und gespielt, der das seit Jahrzehnten tut und außerdem scheißalt ist. Er tut dies mit den einfachsten Mitteln und unspektakulär produziert. Da ist nichts, das jemand aufregend finden könnte, womit man Aufmerksamkeit zu erwecken sich bemühen wollte. Ja, ich kannte Johnny Cash vorher. Nein ich bin kein Country Fan, obwohl ich hier und da einiges sehr gut finde und gerne höre. Neues und Altes. Jeder weiß von seinen ganz großen Nummern: "Ring of Fire" oder"Folsom Prison Blues". Man hat den Hollywood-Film "Walk the Line" gesehen, in dem eine June Carter einen Mann mit den gleichen Initialen ehelicht, der sie seit jeher anhimmelt: Ein wahrhaftiges Märchen .

Aber dann: Ein alter Mann singt alte Lieder. Na und schon? Noch dazu auf für unsere Zeit fast verwerflich medien- und marktuntaugliche Weise, nämlich einfach so mit Gitarre und eben singt der dazu. Ja mei ? Wen soll das denn locken? Alt ist er, müde. Am Ende jammert der wie wer weiß nicht was. Es geht schon los, dass in der chromblitzenden Welt der vielleicht nicht grundlos sogenannten Neuzeit wahrscheinlich niemand wüsste, wo man die CD hinstellen kann. Ich wollte nur herausfinden, was dieser legendäre Mann ans Ende setzt. Sein Ende. Das Ende dessen, was "Johnny Cash" war, ist. Die Marke "Johnny Cash", das Produkt "Johnny Cash". Die Legende.“

Zu oft schmieren große Stars nach einer gewissen Zeit und vor allem gerne zum Schluss ab. Besonders, wenn irgendein Kommerzheini auf die Idee kommt, noch mal richtig Gage mit dem ehemals großen Namen abzugreifen und sich das Opfer zu einer aufwendigen Produktion mit womöglich bergeweise unterstützenden "Freunden" des Stars, selber Stars, aufheizen lässt. Alter schützt vor Torheit nicht. Ich wollte nicht durchhören. Ich wollte nur anspielen. Ich hatte eigentlich nicht viel Zeit. Ja, er beginnt von Schwäche zu singen. Bittet um Hilfe. Lieder über den Tod kommen vor. "But I´m not the whining kind." Man kann nicht abschalten. Will nicht aufhören. Zu seiner Gitarre kommt einmal nur ein tiefes Cello. Bald Stampfen und Klatschen. Dann ein wenig Piano, zusätzliche Gitarren. Eine Orgel. Alles sehr spartanisch. Eine unsägliche Ruhe geht aus von den in allemal extrem zurückhaltenden Tempi wunderbar empfindsam gespielten Instrumenten und seiner einzelnen Stimme. Irgendwie manchmal porös, rau, wie wir sie kennen, doch sanft und sicher, mild auf den Tönen segelnd. Johnny Cash Stimme. Alt und jung zugleich.

Schlichter Charme der Harmonien und volkstümlicher Melodik, Texte herzlicher Menschlichkeit getragen auf ihrem eigenen Fluss dessen Geschehen an Wellen, Strudeln und Windungen sich souveräne Musiker hingebungsvoll entlang treiben lassen können. Leichte Akzente, hübsche Verzierungen entstehen wie im Vorbeigehen eingeflochtene Glückwünsche und schmücken wie Sonnenstrahlen Morgentau auf Rosenblättern in den Spektralfarben gleich himmlischen Edelsteinen blitzen lässt. Die eigene, bewährte Kraft der Songs gepaart und verstärkt mit der Stimme purer Authenzität und einfach gekonntem Spiel. Cash singt über die Liebe. Nicht wie ein Teenager. Über eine Frau, die dunkle Wolken weglachen konnte...

Diese Musik ist von einer absoluten Intensität. Direkt. Die Stimme spricht zu dir. Die Töne der schlichten Arrangements kommen in dein Leben, wie die Luft deines Atems und die Sonnenstrahlen des Morgens. Da sind sie, unaufdringlich, fast alltäglich, wie wenn sie immer schon da gewesen wären. Sie stören nicht. Sie schaffen sofort eine Stimmung, der man sich hingibt, weil sie gleich dazugehört, wie ein alter Freund. Vertraut ist. Unmittelbar und intensiv. Vollständig. Vielleicht kommt das vom Bewusstsein des nahen Todes. Es ist dies eine besondere, bedingungslose Form der Freiheit. Alles Vorherige ist Wert im Vergessen zurückgelassen zu sein, ob der strahlenden Zukunft. Nichts hält einen mehr, wenn in Aussicht steht, durch das grosse Tor zur Freiheit zu schreiten.

"I got rid of the shackles that bound me and the guards that were always around me There were tears on the mail mother sent me in jail But I'm free from the chain gang now."

So kann man gehen. Schlicht, schön. Frei und ganz. J.C. sei gegrüsst. Danke, dass du bei uns warst und für die Musik, die du uns geschenkt hast. Das Vergnügen ist auf unserer Seite .

Doch diesmal macht der Peter wieder seine "eigenen" Sachen und es kommt es noch ärger als man ohnehin schon denken wollte:

"Die Peter Maffay open disc ist dein ganz persönlicher Zugang zu Peter Maffay. Dich erwarten spannende Gewinnspiele /(sic ? Anm.d.R.)/, Webchats mit Peter Maffay /(dem wahren Peter Maffay? Wieder Anm.d.R.)/ und andere Specials nur für dich. /(das ist ja mal echt nichtkommerziell: Für jeden Fan eigene individuelle Specials einzurichten ist sicher nicht profitabel. Oder versteht da irgendwer etwas falsch? A.d.R.)/ Darüber hinaus wirst du zu VIP-Veranstaltungen eingeladen /(Da muss es aber sehr viele VIPs geben.)/ und hast die Chance auf persönliche Treffen /(mehrere?)/ mit Peter Maffay." /(grusel A.d.R.)/ .

So steht es auf der CD. Man merkt sofort: das ist das Produkt eines grundehrlichen Rock´n´Rollers, der es nicht mehr nötig hat Fans aus finanziellen Gesichtspunkten heraus mit nutzlosem Schrott zu verblöden. Diesem Mann ist es mit der Musik und seiner Message ernst.

Peter Maffay hat die Ewigkeit entdeckt.

Klar, das sind alles die Ergebnisse der Interessen seiner Plattenfirma. Er selbst hat damit nichts zu tun. Natürlich muss der Künstler leben und da ist es gut, wenn der kommerzielle Teil des Geschäftes in den Händen der Kaufleute liegt, damit sich das Künstlerherz frei den Schwingen des Pegasus hingeben kann. Sicher hat sich da mein neidischer Geist wohl getäuscht. Ich dachte Maffay wäre schon reich. Wahrscheinlich alles verso...schenkt ? An Lilli....?

Man möchte nicht intolerant wirken und ganz sicher und selbstverständlich darf jeder seinen Neigungen und persönlichen Defiziten nachgehen soviel er möchte (solange er niemand anderen schädigt usw.), aber ich fand es schon immer seltsam peinlich, wenn Männer über einem gewissen Alter ein Halbstarken-Image mit abgewetzten Lederjacken verbreiten. Um die auf kotzgrünen Hintergrund verewigten Texte im dunkel und schwarz gehaltenen Booklet: Romantisierende Bilder von aufgereihten Gitarrentrophäen, Hammondorgeltastaturen, ernst blickenden Musikern vor Verstärkern und einem einzeln für sich stehenden Mikrofon überhöhen die Studiosituation zu wertvoller Schöpfung dauernder Rockkultur, ja idealisieren das Leben der Schöpfer selbst. Das freie, wilde Rockmusikerdasein. Maffay mit verschmitzt hochgezogenem Mundwinkel lässig vor einer Harley-Davidson. /(sind so krass Flammen auf den Tank gemalt. Weißt schon: Burn.)/ Lieber würdig altern. Aber egal. Alles kann verziehen werden, wenn die Mucke passt.  

"Da draussen warten deine Träume" Lieber Peter Maffay: Lass sie endlich rein. Peter Maffay bewegt sich auf dem Level von Schülerbands. Sorry Schülerbands, darunter natürlich. Ich verstehe das nicht. Außer es könnte sein er ist einfach so, kann es nicht besser, will es nicht anders. Nicht die Produktion ist mangelhaft. Die Produktion ist top. Die Instrumente klingen wie im Märchen, sind fehlerlos, kristallklar. Eine unnötig lange Note am Ende des ersten Liedes ...in seiner Stimme konnten sie nicht retten. Lies er vielleicht aus dummen Stolz nicht retten .

Gequält tiefgründige Texte optimistischer Ernsthaftigkeit, angeblicher Lebenserfahrenheit. Weisheit des Gutmenschen. Immer einen mitfühlenden Rat der Zuversichtlichkeit parat. Fassadentrost. "Ich kann wenn ich will und ich weiß wenn ich will dann kann ich" Kumpelhaft und jovial kommt Maffay uns. Poetisch. Paradox philosophisch. Die Worte zu platt. Binsenweisheit. Für den der´s mag .

Selbst wenn ich die eine oder andere Konstruktion des Songs gern verfolgen möchte, lenkt mich der Käse den Maffay da von sich gibt ab. Die Musik. So technisch einwandfrei sie sich präsentiert, klanglich beängstigend durchsichtig. Jeden Ton eines jeden einzelnen Instrumentes hört man zu jedem Zeitpunkt aus den Arrangements heraus. Die weniger stark besetzten Nummern sind schlicht und sauber gemischt. Band- oder Verstärkerrauschen, Geräusche, Mikropops, Trittschall oder was sonst auf einer Aufnahme stören könnte sind studiotechnisch längst passé. Aber das hier war teuer. Schön. Produktion Eins Plus. Summa cum Laude. Maffay und seine Band bringen das gewiss auch angemessen auf die Bühne. Da braucht man einen so perfektionistischen Anspruch auch nicht. Maffay live gibt es auch schon lange .

Genussvolle Bosheit erinnert sich gerne an die Zeit als Hochadel sich nach endlosem Sehnen des Volkes auf Deutschland -- Tournee begab. Michael Jäger und sein Geröll. Mit Klampfen-Richard und Carl Watt, ein William Wiemann und Holz Ronnie. Damals mehr noch als heute ein Ereignis geschichtlicher Dimension für die Fans. Dann wurde bekannt, dass Peter Maffay mit seiner Band das Vorprogramm bei den Konzerten bestreiten sollte. Man mutmaßte es sei eine Entscheidung des Veranstalters die Popularität des Hauptacts ohne Rücksicht auf Geschmack, Vorlieben und Wünsche des Publikums zur Präsentation dieses deutschen Acts marketingmässig auszunutzen. Niemand glaubte, die Stones hätten gewusst, wer Maffay war oder die Musik selbst gehört. Man dachte, das kann nicht sein, die wissen davon nichts. Ungebändigter Hohn wallte durch die Rockgemeinde. Voller Abscheu, gezwungen zu sein sich vor dem lang erwartet eigentlichen Genuss einem Schlagersänger das Ohr leihen zu müssen, reiste man in die Stadien. Im Münchner Olympiastadion handelte es sich um durchgängige BUH-Rufe und Aufhören-Chöre. Als das Programm durch war, null Zugabe, nein, frenetischer Verabschiebungsjubel. Grausam .

Offiziell war Maffay (damals) als Vorgruppe der Stones natürlich ein Erfolg. Meine Güte. Es ist schon nicht leicht Anheizer für die lebendigen Feuergötter spielen zu müssen, wenn man den richtigen Stand hat, wie die J.Geils Band. Mr.Wolf, deren Sänger wusste wohl nicht, was er tat, kündigte er den zwischen seiner ehrenvollen Formation und den Kerlen die zum Schluss spielen mussten, zerdrückten, zermahlenden Peter Maffay an, in dem er das Publikum mit Fragen nach ihrer Vorliebe für Schlager aufrüttelte. Teilweise sollen Eier und Tomaten Richtung Bühne geflogen sein. Maffays Management hätte wirklich kommerzielles Interesse hinter mehr Feingefühl zurücktreten lassen können. Sowas hätte nicht sein müssen. Seitdem hat Maffay eine gehörige Fangemeinde hinter sich. Viele Konzerte gespielt.

Damals ging immer das Gerücht Maffay, der selbst wirklich gar nichts drauf habe, könne mit seinem Geld aus den Schlagerhits die guten Musiker um sich scharen, welche dann den Job für ihn erledigten. Wichtigster sei dabei sein dicklicher Gitarrist Frank Diez, welcher optisch weniger Medienkompatibel doch der eigentliche musikalische Könner war. Er benutzte z. B. die wegen des Designs eichenartig wirkenden, dunklen Holzes und der japanischen Herkunft als Wohnzimmergitarre verpönte IBANEZ "Musician", welche in Wahrheit extrem gut und die Elektrik betreffend sehr innovativ war .

Es kam Tabaluga. Sehr erfolgreich. Kindermusicals sind immer gut. Tanzen, Singen, Mitmachen. Riesenshow und alles was es braucht, um nicht anzuecken. Hatte wohl autobiographische Züge der kleine Drache. Die Message bisschen dürftig, aber gut. Ein Lied gefiel mir sogar richtig gut. Ich erwarb die Platte, war von dem Rest enttäuscht und fand: Der Song, welcher es mir angetan hat, war: nicht von Maffay. Gar nicht .

Man hat wieder Kohle und reist um die Welt. Gewinnt Freunde. Ich möchte die Aufrichtigkeit der Beziehungen nicht in Frage stellen. Aber wenn einer in Länder kommt, deren Musiker und die Menschen insgesamt weniger komfortabel situiert sind, werden Produktionsangebote eines begüterten Musikers eher nicht ausgeschlagen. Und warum sollte man sich nicht verstehen und jede Menge Spaß haben. Sich etwas darauf einzubilden, was alle möglichen Künstler und auch Reisende ohne musikalische Mittel seit Jahr und Tag immer wieder zustande bringen, scheint einfach komisch. Nicht Jeder macht aus seinen persönlichen Erfahrungen eine Platte. Nicht jeder hat die Promotionmaschine sie so zu vermarkten. Begegnungen nennt man das. Wenn man ein Maffay und ein Aushängeschild deutschen Kulturverständnisses und Gutmenschentums ist bekommt man dann auch noch den Fred Jay Preis. Wofür ist der?

Man hofft die in der Ferne darb...lebenden Mitmusiker bekommen ihre Tantiemen und es bleibt nicht alles in...zurück zu dieser Platte. "ewig" Die Musik hat keine Eigenart. Technisch perfektes Handwerk. Musikalisches Handwerk. Das sind alles so Schulbeispiele. Prüfung bestanden. Aber wenn Sie handgefertigte Designerarmaturen in einem Marmorbad haben, stellen Sie sich auch nicht rein und bewundern es als hohe Kunst. Es bleibt Handwerk. Funktionell. Die ganze Platte wirkt kalt, seelenlos. Da ist kein Genie. Es sind textlich wie musikalisch furchtbare Plattitüden, Allerweltsinhalte mit großem Aufwand technisch perfekt in Szene gesetzt. Maffay Fans finden dass sicher klasse. Maffay gibt den Underdog -- Hero, ein Held der Mittelmäßigen. Aber Rock, Rock´n´Roll ist bekanntlich nicht nur Musik. Ist Rebellion gegen gefühlloses Establishment. Ist Leidenschaft, Lebensgefühl. Rock ist ein Fels. Roh. Er lebt von der natürlichen Lebendigkeit nicht perfektionistisch sein zu wollen, zu müssen. Rock-Diamanten sind ungeschliffen. Lässt sich ein Richards vielleicht liften? Geschliffene Rock-Brillianten sind selten und dann von großer Genialität. Das lässt sich nicht kaufen und nicht kopieren. Der himmlische Funke findet sich in billigsten Erstlingswerken so gut wie er in den teuersten Profiproduktionen mangeln kann. Es funktioniert offenbar nicht Rock mit dem Anspruch ordentlichen Bürowesens zu produzieren. Es gibt Schlager, viele gute, mit weit mehr Seele.

Rocker sind Steine. Einfache Isarkiesel. Insgesamt unzählig und wie wir alle nicht so herrlich. Doch ist keiner wie der Andere und jeder einzelne mit unvergleichlichen Eigenarten. Edel auch ohne Schliff. Der einzelne Fels als Teil der mächtigen Gebirge des Ganzen. Glänzend vom noblen Staub der Landstrasse des alltäglichen Lebens. Ja, Rock´n´Roll war Musik einer gesellschaftlich benachteiligten Gruppe. Unterschicht. Menschen mit leidvollem Dasein. Die nicht teilhaben konnten am Wohlstand des bürgerlichen Käfigs. Es sind nicht die, welche klein beigegeben haben und über den Weg des geringsten Widerstandes sich im Regelwerk der Konventionen eingenistet ihre Träume und Freiheit an die Fernsehunterhaltung verkauft haben. Zu feige waren den Herausforderungen des Lebens die Stirn zu bieten. Sorry, unterordnende Anpassung und Rock gehen nicht zusammen. Da müsste man sich schon entscheiden. Das Ganze hat den Charme einer Hausratsversicherung. Meinetwegen einer für eine Villa am See. Trotzdem müssen die Fans von P.M. wohl Versicherungsvertreter sein, die auch so gerne Rocker wären und in Wirklichkeit im tiefsten Inneren ihrer Seele eigentlich wild und frei sind. Hätten sein wollen.

"Ich kann wenn ich und ich weiß wenn ich will dann kann ich." Wurde als die Entscheidung anstand eben doch die dumpfe Ruhe Utopiens gewählt und man wählte, wie es heißt einen bürgerlichen Beruf? Ist ja auch vernünftiger. Können ja nicht alle Rockstars werden. Macht der Peter schon für uns. Reist um die Welt, macht Begegnungen, Musicals für unsere Kinder, ist ein kleiner Drache, spuckt Feuer so zur Schau und hat eine Harley Davidson...aber nie über die Stränge. Nichts , was uns beunruhigt. Maffay betreibt den Spagat zwischen Rebellion und gesellschaftsfähigen Konventionen. In alten Märchen läuft das unter Seele verkauft. Dann sieht man auf politischen Infokanal: Einsatz für Kinderrechte, Küsschen für Ministerinchen (sieht aus wie Lilli...), Freundschaft auf höchster Ebene. Der erfolgreiche Rebell-Musiker und die etablierte Familienfrau. Das muss doch ehrlich gemeint sein. Dafür und damit unterbricht man den Redner und eigentlich unhöflich den Fluss der Veranstaltung, welcher man gerade noch hochachtungsvoller Aufmerksamkeit der ernsten Sache wegen ständig sein würdig bedeutsames Gesicht ins Publikum geworfen hatte. Die persönliche Vertrautheit der Privilegierten gestattet sich die Extravaganz. Inszeniert, auch das. Die Teilnahme ist gespielt. Maffay glaubt sich wirklich. Wie so vielen gelingt es ihm nicht mehr wirklich spontan zu sein. Wie seine Lieder ist sein Verhalten derart planmäßig trainiert, dass seine Persönlichkeit oder was man dafür hält, davon übrig ist nur mehr diese Stereotypen an den Tag legt und sie deshalb als solche hingenommen werden müssen. Betroffenheit geht so, Interesse so und wieder herzliche Aufmerksamkeit anders. *Die festgelegten Signale sagen: jetzt ist Mitgefühl. Ich sende dir das Signal Mitgefühl und du projizierst all deine Wünsche an das Mitgefühl da hinein. Dann ist es doch fast wie echtes Mitgefühl. .

There´ s no business, like Showbusiness.Viele Leute nehmen lieber diese Second Hand Emotions. In Ermangelung echter Empfindungen. Sind auch leichter zu ertragen, weniger gefährlich, werden nicht schmerzlich. Aber war das nicht das Problem? Authentizität hieß die politisch korrekte Worthülse für das, was die geschundenen Seelen brauchen. Alles andere hält nur solange die Fassade nicht bröckelt. Sonst fliegt der Schwindel auf. Und was passiert dann mit der Glaubwürdigkeit? Ach ist schon zu oft passiert .

"Wir müssen die Zeichen sehen" singt Maffay. Könnte klappen.

P.S.: Gleich darauf legte ich zum ersten Mal "MEDUSA" von Annie Lennox auf. Eine ältere Produktion mit sehr viel künstlich, elektronischen Klangerzeugern. Lauter bekannte Lieder. Das ist kein Rock und ohne Anspruch an Rebellion. Klar, Lennox ist etabliert genug und kann singen. Wie auch immer kann trotzdem einiges schiefgehen, wenn man nach dauerhaften (Chart-)Erfolgen einer langjährigen Formation (EURHYTMICS) plötzlich Solopfade einschlägt. Vielleicht lag es auch an dem so schmalen Eindruck der Maffay CD. Fakt ist: Die hat es. Das weißt du nach drei Sekunden.

P.P.S.: Am folgenden Tag war es Johnny Cash mit "American V". Ein alter Mann singt alte Lieder. Begleitet von ein paar guten Musikern mit wenigen Instrumenten. Ohne technischen Schnickschnack oder was. Unendlich mehr Seele. Wahrheit. Intensität. Rock?

P.P.P.S.: Noch mal, sorry, es soll ja welche gegeben haben, die ihn überlisten konnten. Aber einmal die Seele an den Kommerzschlagerteufel verkauft, gibt der sie bekanntlich nie wieder her. So war das eben mit der Verdammnis: EWIG. So gesehen passt der Titel.

P.P.P.P.S.: Leider auch das nur Kommerzschlagerteufelchen. Der wahre SATAN kauft nur echte Rockerseelen (Stones) und macht es nicht unter Metallica ;-) Bleibt noch die Frage, wer eigentlich die Seelen der Scorpions gekauft hat? Daher bezieht sich der Titel doch nur darauf, dass das Durchhören der gesamten CD, um nicht vorschnell zu urteilen und jeder Nummer eine Chance zu geben, sich ob dessen, was dies an subjektivem Zeitempfinden hervorruft schlicht an Ewigkeitserfahrungen grenzt. :-(

P.P.P.P.P.S.: Erst kürzlich kam ein Konzertmitschnitt neueren Datums im TV - irgendein Jubiläum - da konnte ich nicht umhin meine Darstellung zu überprüfen, schaltete aber bald um. Beim Zappen geriet ich zurück in die Zugabe: "Und es war Sommer". Genüsslich trieb er den Song auf die Spitze in einem lang ausufernden "und es waar Soooommmmmmeeeeeer" a Capella. Freudestrahlend (er) schloss so das Konzert.
Sind es nicht die erfolgreichsten Titel, die es in die Zugabe von Konzerten schaffen ? Sind es diese Titel , die das Publikum am meisten schätzt ? Die alle vorangegangenen übertreffen und vergessen machen (gute Idee) ? Die ihn selbst auch am meisten freuen, er am besten singt ? Rocker oder Schlagersänger ?
Da hilft es auch nichts , wenn man bei Markus Lanz oder wo in der Talkschow weil man alt ist , als einzigen (sic?) Irrtum der Karriere reumütig die obig beschriebene Stones Tour angibt und vergeblich anführt, man wäre ob der Jugend einfach so stolz gewesen mit diesen Grössen die Bühne teilen zu dürfen, das man den einen oder anderen Aspekt nicht erkannte. Bei allem Verstädnis für den Wunsch auf der selben Bühne stehen zu können, gibt es doch exakte Begriffe für diese Art von Irrtum.
Und dann war da noch Thomas der M-Stein, der auch ´mal in so einer Interview - Situation gesagt hat, woran es eventuell gelegen haben könnte.

Aber egal, es ist Showbiz. Eben Unterhaltung und er spendet ja viel, der Peter.

Sie arbeitet im Wohltätigkeitsbereich und an humanitären Projekten vor allem für die Menschen ihrer Heimat Afrika. Ursprünglich in Burundi geboren, sang sie wie alle Afrikaner schon von Kind auf, imitierte und wünschte die leider jüngst verstorbene Gesangsikone Afrikas, Myriam Makeba zu sein. Ihr selbstbewusste Ziele, tragische Stationen, glückliche Wendungen und große Erfolge aufweisender Lebenslauf findet sich ausführlich auf ihrer Webpage allerdings nur in englisch und französisch. Zusammenfassung in Deutsch auf Wikipedia.

In einer Zeit großen Unglücks wurde Khadja Nin und ihre tiefe, volle Stimme mit dem hypnotischen Klang afrikanischer Magie von dem etablierten Multiinstrumentalist, Produzent und Komponist Nicolasz Fishman als "vom Himmel gesandte Prinzessin“ entdeckt und es kam zu dieser fruchtbaren musikalischen Zusammenarbeit. Sambolera wurde natürlich wegen der gelungenen Songzusammenstellung zur Besprechung als repräsentativ gewählt. Mit diesem Album gelang den beiden auch der Durchbruch. Die Lieder reichen vom Persönlichen, über Weisheit und Spirituellem, sowie Politischem bis zur Situation der Völker Afrikas. Die meisten sind in den wunderbar klangvollen, vokalreichen Sprachen Kisuaheli oder Kirundi verfasst, eines in Französisch.

Der Titelsong Sambolera Mayi Son ist quasi metapolitisch. Der Text spricht von der Selbstüberschätzung mächtiger Männer, ihren Irrtum sich für göttlich zu halten, Ihre Behauptungen ihr Mangel an Mitgefühl sei gottgewollte Herrschaft, ihr Krieg und ihre Morde geführt im Namen des Herrn, ihre Selbsttäuschung, Lügen und leeren Worte. Der Song spricht zu einem Hoffnungsträger. Das frische Free ist eine Adaption von Stevie Wonder in Kadjas Muttersprache und mag die Erfahrung einer eigenen Befreiung wiedergeben. Diese Nummer ist nur auf dieser Scheibe. Schöne Geltung verschaffen die ruhigen Stücke Wale Watu und Mama Lusiya - Mutter Erde, dieser einzigartigen Stimme. Save Us, textlich ein Hilferuf der Völker Afrikas´, musikalisch eine schnelle, hoffnungsvolle Tanznummer. Ballade, Midtempo und der hochfröhliche Zouk-Titel (Zouk: Afrikanischer Populärmusikstil, wörtlich übersetzt bedeutet es Markt) über den Freiheitsheld Barik Fall folgen. Nach zwei wieder beschwörender klingenden Nummern ihrer rauchigen Stimme schließt das Werk mit dem unvergleichlich schönen Lied über die verborgene Liebe einer demütigen Frau: "Du mein Leben, lass mich für dich singen…“

Die Musik ist eindeutig von sowohl starken afrikanischen Einflüssen, wie auch vom charakteristisch, französisch-belgischen Stil geprägt. Die historischen Verbindungen der Nationen ist bekannt. Die Kompositionen Fishmans sind ebenso angenehm, zugänglich wie klar und von sicherer Beherrschung des musikalischen Handwerks und Instrumentariums zeugend. Dabei originell und originär. Steht die kräftig fürsorglich klingende Stimme Khadja Nins, deren tiefe, aus den eigenen Erfahrungen gewonnene Menschlichkeit den Hörer in mystischer Weise wie ein Geschenk des Himmels berührt, im Vordergrund, steht zum Glück die Qualität, der sie begleitenden Musik in keiner Weise dahinter zurück. Es ist eine seltene Symbiose künstlerischer Persönlichkeiten, von hervorragenden Musikern und klangvollem Background in familiärer Gemeinschaft unterstützt. Technische Qualität ohne Makel. Druckvoll, dynamisch und durchsichtig. Die Texte finden sich im Original und englischer Übersetzung im Booklet mit Bildern.

Die letzte Nummer, das Liebeslied Bwana C. findet sich schon auf der ersten Scheibe, ist hier aber wirklich nur einen Funken langsamer (4:39 statt 4:20) und ein bisschen "weicher“ gemischt, wodurch es für meine Einschätzung sehr gewinnt.

Khadja Nin selbst wirkt scheu und empfindsam. So sicher und kräftig die Stimme ist, so leicht verraten Mimik und Bewegung das kindlich verletzliche Seelenwesen der Schönheit. Ihre Backgroundvocalisten nennt sie "Bruder" und "Schwester" und verkündet in ihrer glaubwürdig bestimmten Bescheidenheit: "I am not the boss, I am only in the front.“ In einer ihr eigenen Art der Demut, weiß sie: "No-one gets anywhere alone.“ Ein Grossteil der Atmosphäre entsteht gerade durch den für Afrika typischen Harmoniegesang, welcher die seelische Einheit, die gesunde, natürliche Kraft dieser Menschen im Glück spendenden Zusammenklang ihrer stolzen Stimmen wiedergibt und überträgt. Fragile Souveränität.

Sehr viele Faktoren, wie Begabung, Talent, Ausdauer, Unterstützung, Feedback, Zeit und Umstände…ließen diese Familie für lange Zeit erfolgreich sein und genießen, die Möglichkeit das Geschenk ihrer kreativen Potentiale auszuarbeiten und mit der Welt zu teilen.

Dies ist reife Musik, die auch Ansprüchen erwachsener Geister entspricht und weit über dümmlich kommerzielle Produkte trögen Zeitvertreibes, vordergründiger Reizstimulierung und Bewirtung platter Klischees präadoleszenter Lebensperspektiven, welche sich nicht zu schade sind, hinter bedeutungsschwangeren Namen wie "Übergrund“ und "Vorluder“ aufzubauen, reicht. Ohne Jagd auf äusserliche Erfolgsbeweise.

Pop-Musik kann Wahrheit und Tiefe vermitteln. Einfach und deshalb unmittelbar sein. Es besteht kein Zwang zu verblöden. Nicht überlebensgroß, dafür ein schöner Teil des wirklichen Lebens. Eben Kunst.

Das Rad wird nicht neu erfunden, aber es hat ganz wunderbare Songs. Schöne, geschickte und fraglos perfekt, jedoch nicht aufdringlich oder überspannt produzierte Arrangements. Besonders Nummern wie "This is Where I came in“, "Sacred Trust“ (sehr schön und textlich von menschlicher Klugheit beseelt), das vom verstorbenen Maurice Gibb geschriebene "Man in the Middle“ sind erfreuliche Beispiele außergewöhnlicher Intensität klarsichtiger Empfindungen der Dinge des Daseins. Das ist "nur“ Pop-Musik. Mehr will sie nicht sein. Exzellent ist sie.

Mit Veröffentlichung zum erwartungsüberfrachteten Jahr 2000 nun schon nicht mehr ganz aktuell, ist dies moderne Musik, zeitlos und aktuell. Die Bee Gees beweisen, nein, das ist nicht nötig, sie machen es eben, dass sie nicht die vergangenen Erfolge, womöglich aus rein finanziellen Interessen wiederkäuen und die Karikatur ihrer selbst werden. Sie sind nicht gealtert, sondern gereift. Sie verstehen ihr Handwerk, wurden nicht Opfer von Skandal, Sucht, Größenwahn, weder ihrer selbst, noch Opfer der Massen oder der Medien.

Schöne, sauber gestaltete Aufmachung. Booklet mit allen Texten, schlichte Bilder mit leichter Reminiszenz an die Anfänge. Nicht überkandidelt. Qualität unprätentiöser Souveränität. Wir machen es, weil das unser Beruf ist. Unser Leben. Danke!

Verschiedene Interpreten und Teams waren am Werk die Songs neu zu bearbeiten und aufzunehmen. In Electro-Bossa-Stilistiken. Vielleicht ist das Nichts für Stones-Fans, sicher nicht für Rockpuristen. Es sei ihnen nicht vorenthalten. Und natürlich gebären solche Crossoverprojekte, welche den Verdacht schüren, mittelmäßige Knöpfchendreher versuchten sich an den Erfolg großer Namen hängend ein paar Verkaufszahlen zu generieren oftmals üblen Schrott trauriger Geschmacksverirrung. (Man denke an mit symphonischem Bombast aufgeblasene Heroenversionen des ohnehin schon strapazierten "Stairway to Heaven" durch die Zusammenkunft mehrerer Gitarren-All-Stars. Eigentlich ist STH eine super Nummer.) Ich selbst befürchtete so was. Weit gefehlt.

Das ist gelungen, gelungen, gelungen!

Jedes Team arrangierte nur einen Song und dann für die zweite Platte wieder einen. Feinsinnig, vielschichtig, originelle Instrumentierung, empfindsam und virtuos eingespielt...

Diese Leute heißen SAO VINCENTE (muss man den kennen?), GROOVE DA PRAIA, MICHELLE SIMONAL, URBAN LOVE (eh klar), BANDA DO SOL, aber auch USCHI.

Da verändern sich die Tempi, Acoustic-Sets ersetzen E-Gitarren und "Jumpin Jack Flash" gibt´s jetzt mit echtem Flötenriff. :-)

Voller unerwarteter Farben, moderner Sounds, typischer Bossa Nova Merkmale und südamerikanischer Rhythmik, karibischer Charakteristika. Die Cowbell im Intro von "Honky Tonk Woman" gehörte einfach trotzdem dazu und ist auch fester Bestandteil einer spezifischen Percussion. Da muss die Verbindung sein. :-).

Die einzelnen Lieder sind sicher Vorlieben ausgesetzt und die jeweilige Gestaltung nicht minder. Einer wäre auf etwas neugierig gewesen, was hier nicht vorkommt und Anderes findet er nicht so ...aber das ist klar.

Insgesamt überzeugend schlüssige Arrangements, trotz der ungewöhnlichen Paarung, welche keine Berührungspunkte zu haben scheint. Schien, denn hier ist der Gegenbeweis, wie gut die Nummern der Stones, die fremden Elemente vertragen. So wie Bachs Werken eine Änderung der Instrumentierung nicht schadet, mag dies belegen welche zeitlose Eleganz in Stones Werken liegt.

Laszive Frauenstimmen hauchen in schwülstigem Ambiente hüftschwingend die ewigen Wahrheiten der freien Liebe, Irrtum und Freude des Menschen, Rebellenweisheit, Psychowahn und Sympathie für den Teufel. Angelika, Brauner Zucker, Wilde Pferde wie bisher nie gehört.

Sind Ihnen die Stones zu alt, die Songs ausgelutscht, wie? Hier kommen sie in wahrhaft neuem Gewand. Gäbe es die Originale nicht, man dächte die gehören so. Die jungen Frauen leisten ihr übriges. Die wunderbaren Cover geben die Sache exzellent wieder: Weibliche Hüften in Sticky-Fingers-Bikini.

It´s only Rock´n Roll. I like it!

1973 erschien das spektakuläre "Billion Dollar Babies“ in der damaligen Vinyl-Version mit einem aufwendigen Cover, welches durch metallic-grün schimmernde Prägungsoptik eine Schlangenledergeldbörse imitierte, die mit einer das Konterfei eines mit Alice Cooper – Augen geschminktes Babies zeigenden Goldmünze und Brillianten verziert war. Innen liegend befand sich ein Billion-Dollar-Schein zum Herausnehmen. Die CD-Version wirkt gegen diese 70er-Jahre Opulenz einfach voll "klein“.

Die Titelfolge bietet eine abwechslungsreiche Sammlung.

1. Hello , Hooray ! Eröffnungsnummer eines Rahmen, wie so oft bei A.C.´s Alben bereits als zukünftige Bühnenshow in Sequenzen zirkusartiger Szenen konzipiert
.

2. Raped and Freezin´: spaßiger Titel über einen abenteuerlichen Trip durch die Weite amerikanischer Landschaften. Gerne werden solche Novellen, wie sie viele von uns in Ihrer Jugend erlebten, im Rockgenre besungen.

3. Elected: Der damalige Charthit. Politisch Lied ist hier kein garstig Lied, sondern eine fette Rockhymne, die so allgemein, wie treffend die korrupte Geilheit von Politikerpersönlichkeiten um jeden Preis die Stimmen zur Macht auf sich zu vereinen, spiegelt. Damals wie heute, hat sich kaum ´was geändert: "I wanna be elected!“.

4. Die Titelnummer: Billion Dollar Babies.

5. Unfinished Sweet ist ein eigentlich aberwitziges Stück über Zahnweh ( Rockmusik besingt eben nicht nur die hehren Werte übermenschlicher Ideale ), den folgenden Zahnarztbesuch mit der programmmusikalischen Ausgestaltung bis zu den nicht unerwarteten Geräuschen einer spannend inszenierten Extraktion. Damals unser Favorit. Danach: befreiende Klänge. Eine irre Kuriosität.

6. No more Mr. Nice Guy: Über einen, dessen perfekte Bedienung hehrer Ideale seine Umgebung derart angewidert, dass er sie eines normalen Gesellschaftslebens aufgibt.

7. Generation Landslide: Rockertypische Kritik an der bigotten Oberflächlichkeit verlogenen Bürgertums, und 8. Sick Things mit A.C.-mäßig gruseligen Inhalten.

9. Mary Ann: Hier handelt es sich entgegen ersten Unterstellungen nicht um eine der zur Zeit der VÖ und unter Musikern immer wieder zu Liedern geronnenen Liebe eines bestimmten Wesens. Meist mystisch meint man, es müsse sich immer um dieselbe Dame oder zwei davon, Maria und Anna, handeln, von welchen der Eine oder Andere gerne behaupten, sie sei(en) Ihnen bekannt, wüssten wer gemeint ist oder hätten sogar regelmäßig mit ihr/ihnen zu tun. Überhaupt handle es sich um poetisch übertragene Bedeutung. In Wirklichkeit ist dieser schmissige Rockragtime ein Beweis, dass seit Beethoven, Liszt, Chopin immer noch mitreißende Klaviermusik geschrieben wird. Gaudium.

Zufrieden schließt das Spektakel mit der passenden Abschlusserkenntnis: "I love the dead“. Alle Texte – leider sehr klein – im Booklet. Reichlich Ironie, Zynismus, Gesellschaftsspiegel.

Geiles Album. Rockmusik mit Herz und Hirn und einer gehörigen Portion Spass am Leben.

Der Namenszug in rosa Bonbonschrift vor Bilderbuchwolken über einer arrangierten Idylle in der Katy auf einer Liege drapiert ist. In Hellblau darunter der Titel. Klischeehafte Plattitüden wohin das Auge blickt. Die ganze modernistisch aufgebrezelte Fifties-Attitüde ihres Outfits und des gestellten Coverbildes sind 100% Retorte. Es steht da dieser Kunststoffflamingo im Hintergrund vor dem Zaun. Wie als Symbol, welches wiederholt, was Katy repräsentiert.

Antiseptisch ist sie. Abwaschbar. Kaum vorstellbar, dass so ein Wesen eine Monatsblutung bekommt. Doch mit Plastikbinden, die das Blut zwar nicht aufzusaugen vermögen, aber das ist auch unnötig, da es selbst aus Plastik nicht fließt und daher nur nach Bedarf hinzugefügt, quasi angelegt und bei Zeiten wieder entfernt wird, wie Ohrringe.

Amerikanische Prüderie scheint dafür verantwortlich zu sein. Darauf spekuliert man als plausible Erklärung und doch könnte es subtiler sein.

Singt das Polystirolmädchen doch, davon unabsichtlich (Wieder nicht aufgepasst?) ein anderes Mädchen geküsst zu haben. Zum Glück trägt sie sich trotz der Verfehlung nicht mit suizidalen Gedanken und rennt auch nicht zur Beichte. Der Song selbst scheint die Beichte des aufwühlenden Erlebnisses. Überrascht darüber, es habe auch irgendwie gefallen und schmecke außerdem nach Kirschlutscher, untergräbt dies die Theorie von einer Spießerikone.

Aus der insgesamt doch in solchen Dingen weit entspannteren Warte Europas weiß man nicht so recht, ob der Tabubruch lesbischer Gefährdung einen Schritt sexueller Befreiung in Richtung selbstbestimmter Weiblichkeit aus den als zu eng erfahrenen Grenzen eingefahrener Bürgerlichkeit vermitteln soll oder es doch nur ein auf verschiedene Zielgruppen zugeschnittenes Lockmittel kommerzieller Strategie ist.

Nicht erst seit Jahrtausendwende gelten erotische Signale in der Musikwelt als gern gesehen und in der Musikindustrie als verkaufsfördernd. Sex sells.

Zweifellos gibt es zahllose Aspiranten männlichen Geschlechts, die ihre Phantasien an jungen Frauen mit Tendenz zu gleichgeschlechtlichen Experimenten aufmachen. Da reicht die Zielgruppe von 13 bis 80. Das Katy dabei hygienisch einwandfrei sein muss/darf hilft vermutlich bei der internen Rechtfertigung der unter Umständen aufkommenden Schuldgefühle. Ja was man sich aufgrund des anerzogenen, eigenen Moralkorsetts nicht zugesteht und deshalb als besonders aufregend empfindet (der sprichwörtliche Reiz des Verbotenen) verschafft einem auch Unwohlsein durch irrationale Ängste, welche gängigerweise durch den psychologischen Übersprungseffekt äußerer Reinlichkeit kompensiert wird. So wäscht man seine Hände in Unschuld.

Lassen sich solche durchdachten und differenzierten Überlegungen in selbst den professionellsten Marketingagenturen tatsächlich finden? Oder bleibt das doch eine ziemlich unwahrscheinliche Spekulation? Immerhin der bärtige Mann im Federbett von Perry am Ende des enthaltenen Videos von "I kissed a girl" lässt Spekulationen zu. Was sagt uns das kleine im Booklet als Adjutant Perrys auftauchende Liebesvögelchen?

Naheliegender ist die Zielgruppe bei sich in der sexuellen Entwicklungsphase befindlichen Mädchen eben derartig bourgoiser Herkunft zu suchen, welche sich gut mit Katy identifizieren könnten und eben genau diese Konflikte aufgrund natürlicher Neugier erfahren dürften. Wie erwähnt mag uns das in Europa herzlich kalt lassen, in den U.S.A. sollte das Problem nicht unterschätzt werden. Auf Jungmädchenidentifikation deuten auch die anderen Songs und Texte. Diese finden sich vollständig im Booklet, was trotz des qualitativ begrenzten Niveaus auf Überzeugung der Urheber schließen lässt, sie wären wert umfassend verstanden zu werden. Sie handeln allesamt von den weltbewegenden Abenteuern eines heranwachsenden Fräuleins, die keinen Zweifel daran lässt eine gewisse Unschuld ("Not a big deal, it´s innocent"), mit dem Selbstverständnis traditioneller Weiblichkeit und schon erwähntem Sauberkeitswunsch ( "I wanna smell like roses") mit erotischer Experimentierfreudigkeit, Neugier, Sehnsüchte und immer wieder auch Anspielungen auf weitergehende Bedrohungen zu paaren. Es sind die oberflächlichen Weltbilder eines Wesens, das sich klar zu konventionellen Maßstäben bekennt und nur innerhalb dieses Gefängnisses Pseudorebellion betreibt. Mag es auch als Verdienst anerkannt sein in Zweifel fallenden Leidensgenossinnen die Sorge vor ewiger Verdammnis zu nehmen, nur weil sie nicht an sich halten konnten der appetitlichen Attraktion eines anderen Mädchens zu erliegen, so mündet die Message letztlich doch immer in reinlicher Gefälligkeit althergebrachten Rollenverständnisses.

Ein bisschen Jungmädchen Machtanspruch, ein bisschen frech, ein bisschen Weltschmerz, ein bisschen Hysterie, ein bisschen ....dies, ein bisschen das und alles ist ein bisschen blass. Rosa. Nichts Neues bietet die Produktion eben leider auch musikalisch. Die üblich drei Nummern, welche man hören kann. Der Rest bestätigt durch absolute Belanglosigkeit, die Belanglosigkeit der ganzen Sache. Ja es gibt Auftragsschreiber, die schreiben einfach Musik ohne Seele, damit die Platte voll wird. Na toll

Melodien und Harmoniestrukturen hundertfach dagewesen und bewährt. Arrangements ohne Originalität. Die Gitarristen mussten sich gefühlt haben wie ein Sternekoch beim zwölfhundersten Spiegelei. Quantisierte Plastiksounds en masse. Einerseits müssen die sich doch mit ihren immer gleichen drei Liedern langsam langweilen, andererseits versteht man, das Industrie, Musikindustrie gerne profitabel wirtschaften möchte und dabei lieber auf Risiko verzichtet. Mit Kunst hat das natürlich nichts zu tun. Muss es nicht. Kultur wäre schön. Leider Fehlanzeige. Bleibt: Geschäft.

Selbst die Lieder dieser einen Scheibe ähneln sich untereinander. Klar das Publikum darf nicht verwirrt werden und möchte auch das, was gefällt wiederholt wissen, nur merken darf es das nicht und möchte es auch nicht merken. Selbsttäuschung ist ein beliebtes Spiel unter Menschen.

Die planmäßig auf den Charterfolg aufgesetzte Zweitsingle "Hot´n´Cold" liefert ungefährliches Material, das mit den primitivsten Mitteln des Erfolges musikalisch so absehbar ist, das es dem feinsinnigen Ohr beim Hören regelrecht weh tut. Es sagt immer nur: Es gefällt dir, weil es dir gefallen muss. Deine von uns darauf trainierte Hörgewohnheit lässt keine Flucht zu. Harmoniefolge: Aha-Effekt weil zigfach dagewesen, berechnetes Tanztempo unterstützt durch den Drive des unerbittlichen 16tel HiHat der elektronischen Datenverarbeitung. So klar und einfach vordergründig wie der künstliche Geschmack von Mikrowellenessen.

Auch der von Katy mit Dave Stewart, Meister hochgeachteter Werke verfasste Song erhebt sich leider nicht nennenswert über diesen Standard. Wirklich dämlich ist ein angeblicher RockMix von "I Kissed a Girl". Herhören: Rock wird alles, wenn man nur eine (dem Klang nach zu urteilen nur gesampleten Gitarrenklängen rührende und damit vollkommen antiseptisch klingenden) Spur verzerrter -- da schüttelt sich das Spießerherz -- immer gleicher, uninspirierter E-Gitarrenakkorde hinzufügt. Das ist alles. Wie billig?

Ja, "I kissed a Girl" hat einen irgendwie charakteristischen Sound, es hat einen, wenngleich wenig spektakulären Hook, es ist ein, leider penetranter Ohrwurm und es hat diese eine, kleine Message. Es ist ein Hit. Ja, Katy Perry ist ein hübsches Mädchen. Das "I kissed a Girl" Video vervollständigt die enhanced CD, obwohl das Video eher keine historische Spitzenposition einnehmen wird. Wir kennen es: Viele Mädchen wackeln schulterfrei, in Spitzenstrümpfen umgeben von keimfreier Kunstseide, Plüschhasen, Erdbeerkuchen und Blümlein durch die allgegenwärtige Rosaheit unterdrückter Frivolität. Sind die Produzenten doch aufrichtig zu uns? Wollten damit signalisieren: Miss Rosa Plastikflamingo in einem geregelten Abenteuertraumpark als Rettung vor der Kulisse des grauen Alltags. So kennen wir Amerika. So sieht man es auf den Bildern des Booklets.

Alles das ist aus Plastik. Nachgemacht. Perfekt. Industriell vervielfältigte Massenware. Pflegeleicht und reproduzierbar. Katy, ein Flamingo. Hübsch, sexy, rosa aber leider: aus Plastik. Zugegeben der Grossteil meiner Kritik trifft auf einen überwiegenden Teil der chartorientierten Veröffentlichungen der Musikindustrie zu und ist gar nicht spezifisch für diese Scheibe oder Katy Perry, der im übrigen persönlich vergönnt sei sich im Erfolg zu sonnen. Was erwartet man? Nichts von den beschriebenen Eigenarten ist überraschend. Allein das ist schon Teil des Problems. Vielmehr geht es darum die Dinge richtig einzuordnen, richtig zu verstehen. Als Werkzeug einer zivilisatorischen Unterhaltungsmaschine, als Produkt eines Marktes und Mittel unbelastenden Zeitvertreibs erfüllt dies Album seinen Zweck hervorragend. Da haben sie gute Arbeit geleistet. Die wissen was sie tun. Kein Grund ihnen zu vergeben.

Es sind die Früchte des BackTrayCovers und der hellroten Erdbeere auf dem CD-Label: perfekt aber Plastik. Super für irreale Projektionen. Vorsicht beim Reinbeißen. Nicht essbar!

Höchst unwahrscheinlich, dass es je ein weiteres Album von Miss Perry geben wird. Sie bleibt wohl eines der von der Industrie geschaffenen, sprichwörtlichen One-Hit-Wonders, die nicht deshalb zu Wundern werden, weil die natürlich trotzdem vorher nicht wissen konnten, ob ihre Rechnung aufgeht. Vielleicht schieben sie ein zweites hinterher, welches dann von so vielen haltlosen Fans blind gekauft wird, bis sich herumspricht, dass nun gar nichts mehr dahinter ist, aber es bis dahin immer noch mehr Profit erwirtschaftet, als manches kunstfertige Werk wirklicher Musiker.

Eine Steigerung der kommerziellen Plastik-Ikone ist ja auch schon da: Lady Gaga. Und das führt mich zu weiter reichenden Analysen musikindustrieller Zukunftsstrategien.

Nicht viel später verschwand die Sache aufgrund von Unstimmigkeiten, deren Details so wenig interessieren müssen, wie sie immer wieder vorkommen. Glücklicherweise kam es 2007 zur Wiederveröffentlichung, so dass wir in den Genuss kommen, die wunderbaren Songs mit der wirklich hervorragend kraftvollen und raffinierten Stimme von Rachel Morrison sogar in verbesserter Klangqualität auf CD hören zu können.

Die klug und trotz einheitlichen Line-Ups individuell instrumentierten Nummern verzichten auf große Bläsersätze und Hintergrundstreichorchester oder deren elektronischen Ersatz. Dabei lassen sie die Farben und Möglichkeiten typischer Bandinstrumente - besonders charakteristisch hier die groovig, phaette Orgel - umso schöner in den sehr durchsichtigen Arrangements hervortreten. Die Spannweite reicht hier von ruhigen, bisweilen kontemplativen Balladen origineller Coloeur jenseits vordergründigen Schmachtens nach unerreichbaren Liebhabern, über erfolgreiches Mid-Tempo bis zu den wiederum übliche Rockstandards weit übersteigenden, rhythmisch ebenso tight wie ausgeklügelten Schnellspielern.

Die Themen beschränken sich nicht nur auf die erfüllte Liebe, sondern steigen in emotionale Abgründe, wie sie auch entgegen dem allgemeinen Beschwören entsprechender Gefühle in tiefere, konkrete Details der Psyche vorwagen und mit dieser offenen Authentizität betören. Der Charthit war damals "I hear you call", kritische Frage: "How does it feel the morning after?"

Mein persönlicher Favorit "Won´t Let Go" besingt zur Abwechslung nicht die Freuden erotischer Paarkonstrukte sondern fast hymnisch die Bedeutung gesunder Familienbande und der zugehörigen Bandenliebe. Diese Band hat einen eigenen Sound. Auch Teile, die sich musikalisch bekannt anhören mögen, klingen neu und unterstützen die facettenreiche, traumhaft selbstbewusste und megascharfe Stimme von Lady Morrison.